Crítica do filme Olhos Famintos: Renascimento | Um Verdadeiro Lixo!

Lançado em 2001, o filme “Olhos Famintos” chegou sem grandes alardes e ninguém imaginava que a ideia original do roteiro poderia levar à criação de uma franquia. Embalado por perseguições em rodovias e com a introdução de um novo vilão (chamado de Creeper), o filme conquistou o público de certa forma.

Todo o mistério por trás do Creeper — que faz uma caçada a cada 23 anos e depois hiberna, bem como seu modus operandi — despertou a atenção de muita gente, afinal é raro ter um filme que traga novidades, ainda mais um novo monstro para mexer com o imaginário dos aficionados por terror.

Tanto é verdade que, em 2003, tivemos “Olhos Famintos 2”, um projeto que dividiu opiniões. Esta era uma continuação direta, ambientada na mesma época e que tentava manter o nível de produção e uma história ao menos coerente. Talvez por já não ser mais uma ideia original, este pareceu menos interessante e intenso, mas não foi de todo ruim.

Pulando 14 anos para o futuro, em 2017, Victor Salva (o mesmo diretor e roteirista dos dois primeiros filmes) tentou reavivar a franquia com o lançamento de “Olhos Famintos 3”, mas o resultado foi desastroso e, com o perdão do trocadilho, ficou claro que nem Salva poderia salvar a franquia. Este deveria ser o fim do Creeper e de Olhos Famintos.

olhosfamintosrenascimento04 16ad1Creeper em fim de carreira! - Fonte: Divulgação/Jeepers Creepers Reborn - ORWO Studios

Contudo, em 2023, tivemos uma surpresa: um trailer de “Olhos Famintos 4”, também conhecido como “Olhos Famintos: Renascimento”, dando a ideia da ressurreição da criatura e da franquia. Já aviso que não se trata do ressurgimento da franquia, mas de seu enterro por definitivo!

Segundo o The Movie Database, este longa-metragem teve orçamento de 5 milhões de dólares e conseguiu faturar pouco mais de 6 milhões. Definitivamente, um fato a ser comemorado, já que “Olhos Famintos: Renascimento” não é ruim, pois pra ficar ruim, ele teria que melhorar muito! Felizmente, eu não contribui para esse montante e esperei para ver na Paramount+ e, sinceramente, de graça, ainda saiu caro.

Spoiler abaixo: leia para poupar seu tempo

Na história, acompanhamos Chase e sua namorada Laine, que estão indo para o evento Horror Hound Festival, que reúne fãs do terror fazendo cosplay. Lá, eles vão obviamente se deparar com o Creeper, que tá ceifando a vida de geral. Ora, que surpresa, hein?! Já deixando o spoiler logo de cara, porque eu realmente estou te fazendo um favor! O roteiro até tenta inventar, mas tudo é realmente desconexo e sem explicação.

olhosfamintosrenascimento01 cd588Fonte: Divulgação/Jeepers Creepers Reborn - ORWO Studios

Olhos Famintos: Renascimento vale a pena?

Não! Se você dá valor para o seu tempo e o seu dinheiro, eu recomendo que você jamais veja “Olhos Famintos: Renascimento”. Trata-se de um filme com direção amadora, roteiro muito raso, atuações terríveis, efeitos especiais de baixa qualidade, trilha sonora repetitiva e a ruína de um vilão conceituado.

olhosfamintosrenascimento03 77258Fonte: Divulgação/Jeepers Creepers Reborn - ORWO Studio

Você ainda está lendo?

Eu poderia fazer uma análise detalhada de Olhos Famintos 4, mas acho que já ficou claro o quanto o filme é ruim. Certamente, é um projeto que não deveria ter existido, um enorme vacilo de quem tem os direitos autorais permitir fazer isso com a franquia. Não é preciso muito pra saber que o filme deu ruim, olha esta incrível foto do elenco:

olhosfamintosrenascimento02 e4f66Fonte: Divulgação/Jeepers Creepers Reborn - ORWO Studios

E é isso, não vou te enrolar mais, vá ver outros filmes de terror, deixo aqui algumas sugestões:

  • Vôo Noturno (filme com criatura misteriosa, baseado na obra do Stephen King)
  • O Nevoeiro (criaturas bizarras aparecem em meio à neblina misteriosa, também baseado na obra de Stephen King)
  • Ninguém vai te Salvar (filme que mistura ficção e terror, praticamente sem falas, mas muito intenso)
  • Piscina Infinita (filme doideira, até complicado explicar, veja o trailer)
  • O Mal que Nos Habita (um homem possuído, acontecimentos estranhos, sinistro)

Crítica do filme Tinnitus | Drama angustiante com zumbido irritante

Tinnitus: zumbido constante no ouvido. Esta é uma definição rasa de uma condição que afeta a audição de milhões de pessoas, mas que, até o momento, não tem uma cura.  Se você nunca ouviu falar em Tinnitus, há grandes chances que você nunca tenha tido o desprazer de sofrer com este tipo de situação incomoda. Sorte a sua!

Contudo, este não é o caso de Marina Lenk, protagonista de “Tinnitus”. Ela é uma experiente atleta de saltos ornamentais e que, num certo dia, despencou da plataforma ao ter uma crise súbita de Tinnitus. Afastada do esporte, ela agora trabalha num aquário e tenta lidar com sua condição no dia a dia, mas será que há uma forma de se amenizar esse zumbido insuportável?

Com a ajuda de seu marido, que trabalha como médico na área, bem como ao participar de um grupo de pessoas com a mesma condição, Marina tenta achar um novo rumo em sua vida, ao mesmo tempo que ressente sua mudança súbita de carreira e amarga uma inimizade com a antiga colega de saltos ornamentais.

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Apesar de tratar de um terror psicológico pessoal, “Tinnitus” não é guiado para este lado do horror. Temos aqui um filme bem dramático, com alguns trechos misteriosos e talvez uma conclusão mais ousada, porém grande parte do filme foca em nos manter na cabeça de Marina, numa experiência angustiante e, por vezes, em um rumo entediante.

Tinnitus vale a pena?

Apesar da proposta bem fundamentada e da qualidade técnica na execução, “Tinnitus” é um filme que tropeça em seu próprio roteiro ao tentar englobar os vários dramas da protagonista. Muitas cenas de reflexão pessoal da personagem impressionam pela mescla entre o abstrato com uma arte criativa e a experiência terrível do zumbido, mas a falta de um fio condutor mais coerente deixa o filme confuso e maçante.

Ruído na trama

A sétima arte dá palco para todo tipo de gênero, ideia e experiência, mas é inevitável que obras mais provocativas tenham um desafio: convencer a plateia de que a ideia proposta é relevante. Este é justamente o caso de “Tinnitus”, um filme com um tema pertinente e pouco explorado, abordado de uma perspectiva já comum: um drama psicológico atravessado por várias frentes.

Nesse sentido, o erro é tentar abraçar o mundo. É compreensível que a construção de uma personagem mais humana com várias questões para lidar em sua vida traga muitos desdobramentos, mas como se já não bastasse os problemas psicológicos, o roteiro forçar as situações de inimizade e com pouco contexto deixa a narrativa bagunçada.

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Apesar da trama divagar, vale os elogios para o elenco extremamente competente que entrega atuações corajosas e coreografias muito realistas. Ouso dizer que o filme só se sustenta realmente por conta das boas interpretações. Curiosamente, o roteiro tenta usar diálogos um pouco artificiais, mas as atrizes conseguem compensar esse desentrosamento.

Uma experiência desconfortável

Todavia, tirando isso, ainda há questões delicadas: como abordar uma condição como Tinnitus? E qual a melhor forma de demonstrar a angústia vivenciada por Marina? Oras, se estamos falando de uma obra audiovisual, o recurso sonoro acaba sendo a via perfeita para sugestionar a experiência terrível de conviver com um zumbido no ouvido o dia todo.

Uma tática excelente para a construção narrativa, mas péssima para o espectador que passa mais de uma hora frente à tela sentindo nos ouvidos um incomodo sem fim. Certamente, é uma proposta ousada, já que os idealizadores do projeto sabiam da dificuldade em abusar desse tipo de recurso. Não deu outra, o filme é cansativo e irritante.

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Assim, se por um lado, há grandes acertos nos delírios decorrentes do Tinnitus, com cenas artísticas realmente impactantes, temos um volume excessivo de cenas reflexivas e embaladas por essa sinfonia de zumbidos incessantes. Mesmo não sendo um filme extremamente longo, o resultado é exaustivo para o espectador.

O clímax nos 45 do segundo tempo é fruto dessa construção narrativa cumulativa, que culmina sim em medidas exacerbantes, mas a que custo? Aqui fica aquela velha dúvida: os fins justificam os meios? Eu realmente tenho minhas dúvidas, pois mesmo sendo um filme poderoso, ele acaba sendo um ponto muito fora da curva e é difícil apreciar algo tão diferente.  Moral da história: se você gosta de um filme provocativo, “Tinnitus” pode ser uma experiência curiosa, mas esteja ciente que pode ser uma sessão longa e pouco conclusiva.

Crítica do filme Elementos | Bonita animação para aquecer o coração

Brinquedos, insetos, monstros, peixes, heróis, carros, ratos, robôs e até o interior do nosso cérebro. Estes são alguns dos temas inusitados que a Pixar já usou para nos contar histórias e nos emocionar. São tantas ideias, que a gente fica pensando: ainda tem como surpreender?

A resposta está em “Elementos”, animação que chega aos cinemas neste dia 22 de junho e nos mostra um mundo onde Fogo, Água, Terra e Ar têm formas humanoides a partir de partículas dos elementos. Eles convivem em uma suposta harmonia na Cidade Elemento, onde cada qual tem seu papel ou, ao menos, tenta encontrar seu lugar nesse mundo doido.

Aqui acompanhamos a história de Faísca (personagem feita de Fogo), uma jovem apaixonada por sua família, que trabalha na Loja do Fogo junto com seu pai. Ela tem um temperamento um pouco explosivo, o qual talvez afete seu destino num momento decisivo: a transição da juventude para a fase adulta.

elementos01 388bcFonte: Divulgação/Walt Disney Studios

Do outro lado da trama, conhecemos Gota (personagem feito de Água), um jovem simpático, empático e extrovertido, que ama fazer tempestade em copo d’água e se emociona com qualquer coisa. Com esse jeito fluido, ele vai provar que água mole em pedra dura tanto bate até que fura e vai mexer com a química de Faísca — provando que os opostos se atraem.

Elementos vale a pena?

Elementar, meu caro amigo! “Elementos” é um filme bem-humorado com cenas divertidas e momentos emocionantes que nos fazem refletir sobre nossas personalidades. Como de costume, ele traz uma lição de moral sobre nossas decisões para a vida — e que pode fazer os mais emocionados encherem os olhos de água. Uma boa pedida para crianças e adultos!

Os ventos da mudança

A Pixar teve uma recente onda de marés baixas, com obras que deixaram o público a ver navios, mas são águas passadas, porque “Elementos” diverte até a última gota! Um filme bem construído em história e na parte criativa. Então, pode ter certeza de que onde há fumaça, há fogo! Esta é uma animação para aquecer o coração!

A trama combina as características dos elementos com traços de personalidades humanas, sugerindo que pessoas mais esquentadas são de fogo e outras mais tranquilas são de água. Da mesma forma, o filme lida com a questão das emoções, o que implica na dificuldade de chorar para quem é muito quente.

elementos03 b9287Fonte: Divulgação/Walt Disney Studios

A obra questiona nossos papéis na sociedade, bem como os rumos que tomamos em nossas vidas. Afinal, é difícil seguir as vontades próprias, pois é fácil se sentir como um peixe fora d’água ou, pior, nas situações mais adversas, o fogo pode pegar! E é nessa intersecção química e de personalidade que podemos apreciar uma história talvez até clichê, mas empolgante!

Florescerá uma nova aventura!

Temos aqui um longa-metragem recheado de novas ideias, com gráficos fantásticos (e uma direção de arte caprichada para entregar um mundo que enche os olhos de fascínio) e tudo isso sem deixar de lado questões importantes sobre as leis da física. Pois é, pode parecer bobo falar disso, mas a verdade é que um filme que lida com elementos precisa ter muita coerência!

Afinal, como uma garota que está constantemente em chamas pode passear por aí? Oras, se não fosse uma vestimenta apropriada, Faísca poderia mesmo ser fogo na roupa! No entanto, trata-se de um mundo feito de metal e vidro, em que o fogo até pode interferir quando muito atiçado, mas que em situações corriqueiras não será afetado pelas altas temperaturas.

elementos02 a0f24Fonte: Divulgação/Walt Disney Studios

Por outro lado, há várias cenas engraçadas que Faísca precisa tomar cuidado com suas labaredas para não incendiar o mundo. E são os detalhes mais básicos como a forma de organização da Cidade Elemento até a interação entre personagens que claramente não podem se relacionar que também contribui para um filme bem divertido.

Toda essa trama cheia de reviravoltas é permeada por uma trilha sonora que manda brasa de verdade! E, claro, a dublagem brasileira está perfeita! Enfim, “Elementos” é uma animação diferente de quase tudo que já se viu no cinema, sendo uma boa pedida para ver na telona na companhia do seu amor ou mesmo junto com a família!

Crítica A Mansão da Meia-Noite | As Lendas do Terror numa história clássica

A Mansão da Meia-Noite” é dirigido por Pete Walker, cineasta talvez pouco conhecido para a maioria do público, mas que teve alguns títulos relevantes no gênero, como: “Casa do Pecado Mortal”, “Demência Sinistra” e “Loucura Sangrenta”. Já o roteiro aqui fica por conta de Michael Armstrong, que talvez tenha tido o ápice de sua carreira justamente nesta obra.

O ponto é que a ideia de “A Mansão da Meia-Noite” não surgiu de nenhum deles, mas dos produtores que queriam um filme com os maiores ícones de terror. Assim, Walker e Armstrong ficaram responsáveis em pensar na história, desde que o resultado fosse bom e atendesse esse quesito de ter um elenco expressivo do gênero.

Assim, é importante já alertar que o roteiro aqui não é algo original. Para poupar tempo, eles compraram os direitos da peça teatral “Seven Keys to Baldpate” (lá de 1913), podendo assim usar a história de base e adaptar da forma que achassem melhor. O roteiro então pega elementos-chave de um conto clássico, mas inova de diversas formas.

amansaodameianoite01 319ecFonte: Divulgação/MGM

Em “A Mansão da Meia-Noite”, acompanhamos Kenneth Magee (Desi Arnaz Jr.) em uma aposta: escrever um livro em apenas 24 horas valendo o prêmio de 20 mil dólares. Para tanto, ele vai para a mansão Bllyddpaetwr, local abandonado há 40 anos e ideal para a inspiração. No entanto, a noite que era para ser tranquila pode ser turbulenta com visitas inesperadas.

A Mansão da Meia-Noite vale a pena?

Se você gosta de um bom filme de terror, com aquele ar de antiguidade, cenas que abusam dos jogos de luz e sombras, personagens mais caricatos, trilha sonora caprichada, história cheia de reviravoltas e uma pitada de comédia, devo dizer que “A Mansão da Meia-Noite” é um filme que você não pode perder a chance de adicionar à sua biblioteca de filmes já assistidos.

Verdadeiros ícones do Terror

Importante ressaltar que cada geração é marcada por grandes ícones do cinema, alguns ficam conhecidos por suas performances extraordinárias em determinados gêneros. Este é o caso de Vincent Price, Christopher Lee, Peter Cushing e John Carradine, que, por sinal, compõem o mega elenco de “A Mansão da Meia-Noite”.

Curiosamente, nenhum dos astros deste quarteto lendário é o protagonista desta obra. Quer dizer, eles podem até não ter papéis de longa duração em cena, mas o personagem principal do filme simplesmente fica apagado cada vez que um deles se pronuncia. Não que o roteiro não dê voz para Arnaz, porém é fato que sua atuação é pífia perante os demais gênios. A simples aparição de Vincent Price com um tom sombrio já deixa qualquer um arrepiado.

amansaodameianoite02 56129Fonte: Divulgação/London-Cannon Films

Pode ser que um pouco dessa impressão que temos do quarteto seja justamente pela longa carreira e suas presenças reforçadas propositalmente no roteiro, mas é inegável que eles são marcantes e sabem muito bem contracenar. É até engraçado, porque eles realmente parecem estar num encontro de amigos (aliás, reunião essa única na história do cinema).

Vale pontuar que “A Mansão da Meia-Noite” é um filme que teve distribuição limitada no Brasil. Assim, é normal que ele seja desconhecido, já que apenas alguns poucos privilegiados que viveram os tempos de Intercine na Rede Globo — e ligavam no 0800 para votar nos filmes favoritos — ou que conseguiram uma cópia em DVD puderam apreciar esta pérola com as lendas do terror.

Mistérios da Meia-Noite

Por mais despretensioso que seja o roteiro de “A Mansão da Meia-Noite”, ele consegue dar reviravoltas e deixar espaço para à imaginação. São poucos personagens, cenários limitados e diálogos bem pontuais, mas nada disso limita o potencial da história. Mesmo com uma história já conhecida de base, é inegável que Armstrong traz novidades ao desenrolar dos fatos.

Curiosamente, mesmo sendo uma trama pautada no suspense constante e com boas cenas de terror montadas minuciosamente, o script flerta com um tom engraçadinho, algo que se dá tanto pelas conversas propostas quanto pela presença de Desi Arnaz Jr., que pode não ser um expoente do terror ou da comédia, mas que serve bem para o humor da película.

amansaodameianoite03 c1db4Fonte: Divulgação/MGM

Dessa forma, “A Mansão da Meia-Noite” não é um filme pesado no terror, mas sim uma obra de mistério com um pouco de cada coisa. O horror está muito mais nas nuances das visitas e nas penumbras do casarão que dá nome à película. Contudo, mesmo sendo uma colcha de retalhos, o filme funciona muito bem, divertindo e deixando o público curioso.

Fato é: esse é um daqueles filmes no estilo detetive, em que tentamos descobrir quais são os mistérios, mas que pode acabar com questões em aberto. Aliás, vale apontar: o famoso “Os 7 Suspeitos” (obra inspirada no jogo Clue) saiu depois de “A Mansão da Meia-Noite”. De qualquer forma, no cinema, muita coisa é adaptada, então a inventividade está nos detalhes.

Crítica do filme Desejo Proibido | Tão excitante quanto entediante

Na maioria das minhas críticas, eu gosto de trazer considerações detalhistas sobre os diversos aspectos da obra, indo desde a parte técnica até a própria trama. Contudo, “Desejo Proibido” simplesmente não têm material suficiente para uma discussão aprofundada. Trata-se de um filme raso que tenta se alongar com a desculpa de ser provocativo e sensual.

Ele é caprichado em questões técnicas, que vai desde a ambientação detalhista, trilha sonora original empolgante e, principalmente, uma execução afinada, recheada de cenas próximas, takes em câmera lenta, desfoques sutis e imagens refratadas. Apesar de tudo isso, a história é vazia. O resultado não poderia ser outro: parece um longo comercial de perfume!

Na trama, acompanhamos o romance inesperado de Max (Simone Susinna) e Olga (Magdalena Boczarska). Eles são de mundos conflitantes: ela é uma importante juíza e ele é um turista que está de passagem pela cidade. O que começa com uma troca de olhares acaba virando um romance, mas há um problema: ele é a testemunha em um caso que ela é a juíza. Como se já não bastasse, a coisa fica mais dramática, pois Max tem um passado com a filha de Olga.

desejoproibido01 ddb2fFonte: Divulgação/Paris Filmes

Os grandes dramas de “Desejo Proibido” são esses pequenos conflitos, incluindo os atritos na relação de Max e seu amigo que está passando pelo julgamento. O engraçado é que nada dessa história importa, porque o filme trata tudo de forma tão superficial, que ficamos apenas observando pequenas cenas de discussões intermediadas por longas cenas de sexo.

Desejo Proibido vale a pena?

Tão sensual quanto sacal, o filme “Desejo Proibido” parece não ter um propósito claro e se alonga muito além do que há para contar de fato. Mesmo com uma boa qualidade técnica, o resultado é um monte de cenas longas e sensuais, mas que mais dão sono do que despertam o interesse do público. Talvez, seja o filme ideal para quem gosta de ir namorar no cinema, mas enquanto obra cinematográfica, é um longa-metragem fraquíssimo!

50 Tons de Tédio

É importante enfatizar que, apesar de ter nomes relativamente conhecidos no elenco, a obra polonesa simplesmente não aproveita suas estrelas. Os protagonistas foram claramente escolhidos apenas pelo fator apelativo, já que passam metade do filme se roupas. E eles fazem isso por longas duas horas.

desejoproibido02 34d5eFonte: Divulgação/Paris Filmes

Quero enfatizar que não há qualquer problema em explorar o erotismo, mas quando o filme resolve se vender como um drama com pitadas de romance, esperamos mais do que apenas as cenas de sexo. Essas cenas de drama simplesmente não existem. Felizmente, há alguma química forçada entre o casal protagonista, mas isso não ajuda em nada para fins de trama.

Basicamente, o que temos em boa parte do filme é o ator Simone Susinna fazendo olhares sensuais e exibindo seus músculos durante toda a película. Até parece que a produção quis aproveitar a fama do galã para divulgar a imagem dele e trazer os fãs para ver o rapaz na telona.

Desejo Proibido” chega a esbarrar no limiar entre o sensual e a galhofa, quando temos mais caretas do que resultados convincentes. E aí é que a coisa fica mais parecida com um comercial de perfume, em que não há substância, mas apenas um grande vazio de troca de olhares com uma trilha sonora chamativa.

Aliás, a trilha sonora é talvez o ponto alto de “Desejo Proibido”. Uma pena que não se trata de um CD, pois o resultado até que seria agradável. Então, fica o reforço: se você aprecia seu dinheiro e tempo, eu recomendo que você pule essa experiência no cinema. Caso a curiosidade desperte, você realmente não vai perder nada em aguardar a disponibilidade em algum streaming.

Crítica do filme A Primeira Comunhão | Lenda urbana promissora, mas ainda clichê

Você já viu essa história antes: uma pequena cidade, jovens desavisados, um desvio de rumo e uma maldição sem explicação. Está pronta a receita para um filme de terror, que pode até mudar de idioma e região, mas que, no fundo, vai beber da mesma fonte de outros tantos títulos consagrados.

Sim, “A Primeira Comunhão” aborda mais uma lenda urbana, que, neste caso, se passa na década de 1980 em um munícipio na província de Tarragona, na Espanha. Trata-se de uma história aos moldes tradicionais, em que o mito é passado de boca em boca, mas que, aos poucos, acaba se provando verdadeiro pelos protagonistas.

Curiosidade: segundo o diretor do filme Víctor García, em entrevista ao site RTVE, há de fato uma lenda urbana parecida com a do filme na região da Galícia ou de Granada.  A lenda fala do fantasma de uma menina que desapareceu no dia de sua primeira comunhão, sendo este o pontapé para o roteiro do longa-metragem.

aprimeiracomunhao01 76478Fonte: Divulgação/Paris Filmes

No filme, acompanhamos Sara (Carla Campra), que acaba de chegar à região e, na tentativa de se entrosar, vai curtir a noite com outros adolescentes em uma discoteca. Na volta para casa, eles se deparam com o vulto de uma menina. Na tentativa de achar a garota, Sara encontra uma boneca abandonada. E aí é que os problemas começam.

A Primeira Comunhão vale a pena?

A Primeira Comunhão” usa uma lenda urbana com potencial, mas o roteiro divaga com tantas perspectivas e não esclarece bem os detalhes da maldição. Mesmo com a produção redondinha e o elenco competente, o filme peca ao prometer muito e entregar poucos sustos. Apesar de alguns clichês, ainda vale o ingresso. 

Perdido no emaranhado da trama

A Primeira Comunhão” é um filme que tem boas ideias, o problema mesmo é que ele se perde um pouco para chegar no que importa. O roteiro até tenta guardar surpresas, porém ele também quer ser apelativo já na primeira cena – e já se entrega no começo.

Isto não é exclusivo desta obra (o recente “Oferenda ao Demônio” é parecido neste ponto), sendo um recurso para provar que o perigo é real e a maldição é recorrente. Assim, Víctor García mostra ousadia e que o filme tem um tom sanguinolento.

aprimeiracomunhao02 55fe4Fonte: Divulgação/Paris Filmes

Apesar do primeiro choque, “A Primeira Comunhão” não é tão apelativo no decorrer da trama. A introdução de personagens é vagarosa, até porque há muitos personagens secundários, que agregarão em mais cenas de tensão e eventuais sustos.

O drama contado da perspectiva de Sara é convincente, mas há tantos caminhos e personagens que fazem parte da história, que demoramos a ter maiores explicações sobre a aparição na estrada e o verdadeiro terror por trás da lenda urbana.

O pior é que sem conseguir resolver tudo, o filme usa elementos pouco habituais para complementar a história da maldição e aí falta clareza nos detalhes. Parte dessa ideia talvez seja para deixar pontas para uma continuação, porém é inegável que ele poderia se sustentar de forma mais concreta para o melhor entendimento.

Ambientação assustadora

Apesar de tropeços na trama, é inegável que o diretor de “A Primeira Comunhão” fez a lição de caso quando o assunto é construção de clima tenso. Com uma paleta de cores mais sombria, ambientes pouco iluminados, uma floresta densa, a névoa intensa e os cenários da década de 1980, somos jogados em uma vila propícia para assombrações.

O resultado não poderia ser outro. Após as divagações iniciais, o longa-metragem se aproveita de alucinações, delírios e acontecimentos inusitados para ampliar cada vez mais o mistério em torno da boneca e da aparição inexplicada. Com isso, é inevitável ficar imerso nos cenários permeados por penumbras.

aprimeiracomunhao03 7ec4dFonte: Divulgação/Paris Filmes

Assim, o filme se aproveita tanto da imaginação fértil dos personagens quanto da atenção constante do público para tentar criar as cenas de sustos. O problema é que, como muitas obras do gênero, ele não consegue fugir dos clichês com espelhos, câmeras girando e vultos rápidos.

Como as cenas são um pouco alongadas, quando temos o ápice das cenas, infelizmente não temos o fator surpresa, já que não se trata mais de um susto repentino, mas sim de uma cena que já estávamos esperando. Vale apontar ainda que a trama bebe da fonte de outros filmes muito conhecidos (como “O Chamado”, “A Hora do Pesadelo” e “Annabelle”). Isto não diminui o filme do ponto inspiracional, mas certamente, em alguns pontos, falta ineditismo e temos similaridades em excesso.

Assim, “A Primeira Comunhão” é um filme bem construído, com boas atuações, trilha sonora compatível e história promissora. Há sim os vários tropeços já enumerados, mas o resultado ainda é positivo, com um fator surpresa que vale a pena. Uma boa pedida para os fãs do gênero e que ainda não conhecem muitos filmes de terror espanhóis.

Crítica do filme Oferenda ao Demônio | Terror ousado, mas um pouco pausado

Não é de hoje que o gênero de terror sobrenatural está permeado de roteiros clichês. Quando o assunto é mais voltado aos casos religiosos, a coisa fica ainda mais sem criatividade, sempre focando em possessões, variando apenas os demônios e as respectivas soluções — que, em geral, são sessões de exorcismos com algumas modificações. É sempre mais do mesmo.

Ainda que muitas obras tragam contextos diferentes, tudo gira em torno do cristianismo, mais precisamente do catolicismo. Isto vem desde antes de “O Exorcista”, mas, de lá para cá, estas abordagens ganharam popularidade devido ao público massivo, que tanto conhece a religião no mundo real quanto em suas adaptações na telona.

Assim, quando vemos o trailer de um filme como “Oferenda ao Demônio”, a primeira coisa que desperta é a curiosidade, pois temos aqui um raro exemplar de longa-metragem focado no judaísmo. Não que isso torne a trama extremamente diferente, mas ao menos temos novos ares com rituais que fogem do "Pai Nosso que estais no céu..." tradicional.

oferendaaodemonio03 506a3Fonte: Divulgação/Millennium Media

Na trama, acompanhamos Arthur (Nick Blood) e Claire (Emily Wiseman) durante os meses finais de gravidez, época em que eles decidem visitar o pai de Arthur, Saul (Allan Corduner), para fazer as pazes antes de a criança nascer. Contudo, não se trata de uma simples visita, já que Saul é dono de uma funerária e o ambiente nem sempre é o mais receptivo.

Nestas circunstâncias, Arthur retoma seu posto de ajudante na funerária por alguns dias, mas ele acaba tendo um incidente com um dos cadáveres, o que pode ser a razão para o começo de uma série de problemas. Logo, o casal vai descobrir que um mal antigo habita o perímetro e que um demônio ancião fará de tudo para destruí-los.

Oferenda ao Demônio vale a pena?

Oferenda ao Demônio” apresenta algum nível de ineditismo na abordagem religiosa, de modo que entretém pelo fator novidade com bons momentos de terror. A trama é lenta em alguns momentos e, de vez em quando, se apoia em clichês. Apesar disso, vale o ingresso, principalmente pela ousadia no roteiro.

Produção competente num terror diferente

Quando eu penso na construção de um filme, eu gosto de pensar nas diferentes etapas que compõe o resultado final, já que produção e trama nem sempre estão de mãos dadas. É bem comum um filme ter história inventiva, mas com uma execução bem aquém do esperado — e o contrário também é recorrente no gênero de terror.

No caso de “Oferenda ao Demônio”, temos uma produção bem redondinha. Primeiro, vemos o capricho na fotografia e nos cenários, o que inclui resulta em uma ambientação propícia para os sustos. Parte disso se deve à trama, afinal uma funerária é um local que tem uma conexão bem evidente com o mundo dos mortos.

oferendaaodemonio02 bf850Fonte: Divulgação/Millennium Media

Além disso, vemos um esmero em questões técnicas, como é o caso dos figurinos coerentes, bem como dos efeitos visuais, fundamentais para as tantas cenas com objetos voando, pessoas possuídas e, claro, principalmente para a composição dos personagens assustadores, que sem dúvida alguma recebem atenção especial pelo ineditismo.

Ainda em questão de produção, temos uma trilha sonora bem pontual, nada de sons muitos clichês (como instrumentos de cordas com sons distorcidos que são tão recorrentes em obras do gênero), porém há o uso de composições mais controladas, mas que mantém o tom de suspense por tempos prolongados.

Falta ritmo, mas há ousadia

Como eu já disse, a história de “Oferenda ao Demônio” tem sua pitada de novidade, principalmente por trazer rituais do judaísmo e um inimigo incomum. O filme começa muito bem, com contextualização e cenas que já induzem ao que podemos esperar para o meio da trama, porém, após o pontapé inicial, o ritmo do filme cai consideravelmente.

O que temos em boa parte do roteiro são eventuais cenas de terror, em meio a um drama amplo sobre questões familiares. O filme demora a engatar no confronto com as entidades malignas, o que acaba recaindo num peso desproporcional sobre o elenco, que não tem muito o que fazer, se não desenvolver diálogos fracos e que dificilmente mantêm nossa atenção.

oferendaaodemonio01 057ccFonte: Divulgação/Millennium Media

Boa parte do problema na história se deve também aos protagonistas, que, como de praxe, são pouco inteligentes e suscetíveis ao vacilo. Felizmente, a obra não tenta compensar o ritmo truncado com tantas cenas repetitivas e evita o uso excessivo de jump scare, o que já garante bons pontos para um filme mais honesto.

No fim das contas, “Oferenda ao Demônio” é um projeto com boas ideias, mas que acaba como um filme mediano por conta dos pontos supracitados. Felizmente, os fins justificam os meios, de modo que o encerramento vale a pena. Não que seja uma conclusão de tirar os cabelos, porém o ápice foge do óbvio e salva o que poderia ser um enorme clichê.

Crítica Armageddon Time | Fim do Mundo é uma questão de perspectiva

Alguns filmes não são idealizados para te contar uma história com começo, meio e fim. Longe disso. Muitas vezes, as obras cinematográficas são pensadas para plantar pequenas sementes sobre um ou vários temas, para que você reflita e tire suas próprias conclusões. Não é o padrão de Hollywood, porém tais filmes existem e são muito prestigiados pela crítica.

É o caso de “Armageddon Time”, que, pelo nome, parece um filme de fim do mundo, mas que, no fundo, é uma obra parcialmente biográfica do diretor James Gray. Uma película que retrata um trecho de sua vida, num drama que tenta costurar dramas familiares, questões sociais e como isso reflete no sonho americano.

Vendido com um elenco que inclui Anthony Hopkins, Anne Hathaway e Jeremy Strong, o filme, na verdade, é protagonizado por Banks Repeta, que interpreta Paul Graff, um garoto branco, judeu e de família rica. Essas caraterísticas sobre a realidade de Paul são fundamentais, pois o filme pretende debater privilégios e preconceitos.

armageddontime01 d2bbdFonte da imagem: Divulgação/Universal Pictures

A rotina de Paul não tem dificuldades realmente significativas (no que a gente chama de "classe média sofre"), mas a mentalidade do jovem é confrontada quando se depara com situações de racismo, ainda que não direcionadas a ele; os vieses diferentes dentro de sua família, que inevitavelmente confundem sua mente; e as incertezas sobre o futuro, que acabam tendo impacto imediato na vida.

Trata-se de um drama pessoal que tenta mostrar o conflito geracional, principalmente na realidade americana na década de 1980, que prometia o “sonho americano”, o qual, para muitos, foi apenas uma ilusão. Ainda que distante da visão que os brasileiros têm quanto às dificuldades na vida, há aqui pontos-chave válidos para reflexão. Um bom drama, apesar de não ter ponto final.

Uma história muito maior que o filme

Primeiro de tudo, é importante ressaltar que em questões técnicas, não há dúvidas que James Gray é muito cuidadoso no que faz. Você talvez já conheça a competência dele de filmes como “Ad Astra: Rumo às Estrelas” (ficção contemplativa e que agrada se o espectador for paciente), “Z: A Cidade Perdida” (um bom filme de aventura) ou de “Era Uma vez em Nova York” (um drama com tema relevante).

Então, nem é preciso muitos elogios para a direção, fotografia, edição e trilha sonora, porque “Armageddon Time” é um filme bem redondinho nesses aspectos. Assim, o que realmente importa é falarmos de dois aspectos: roteiro e atuações. Ao longo dos próximos parágrafos, vou mesclar tais considerações.

Bom, para falar sobre “Armageddon Time” é preciso uma dose de filosofia. Relaxa, não vou divagar — não muito, pelo menos. O ponto é que ele foge do padrão de dramas que dão uma contextualização e desenvolvem uma história por cima. Como eu disse previamente: não há começo, meio e fim. Trata-se de um recorte da vida do protagonista com pontos relevantes que permeiam esta curta trajetória.

armageddontime02 4e01cFonte da imagem: Divulgação/Universal Pictures

Aqui, James Gray tenta mostrar que a história como um todo são as diferentes contextualizações que diferentes protagonistas têm a respeito da sociedade e do tempo em que elas vivem. Se hoje você acha que o mundo parece estagnado nas mesmas concepções, é porque você não está enxergando o grande panorama.

Seus avós ou seus pais provavelmente já viram muitas transformações do mundo e talvez vejam um mundo muito diferente de duas, três ou mais décadas atrás — vai dizer que seus avós nunca começaram algumas frases com a seguinte construção: “não, porque no meu tempo era diferente”.

Sim, era tudo diferente mesmo. O mundo já foi mais racista, mais machista e mais preconceituoso. Certamente ele ainda está longe de ser o ideal para todos, porém há uma transição constante entre gerações. E, sempre vale recapitular, a percepção de mundo depende do ponto de vista, então para muitos o mundo é um lugar horrível.

É importante entender que se para nós, adultos, é difícil combater estereótipos e se opor aos retrocessos, imagine como é para uma criança perceber injustiças e tentar lidar com elas sem ter entendimento de mundo ou de futuro. Este é o xis da questão, já que temos aqui um protagonista de 10 ou 12 anos que começa a perceber incoerências da sociedade e, em meio a opiniões divergentes, tenta achar um norte.

O mundo não é igual para todos

O jovem Paul Graff tem dificuldades de concentração na escola, bem como, por vezes, ele divaga ao pensar sobre sua carreira como um grande artista. Para sua felicidade ou infelicidade (entraremos em detalhe sobre isso posteriormente), ele encontra, em meio ao caos, um amigo, Johnny Davies (Jaylin Webb), que compartilha de um dilema: enfrentar a vida sem saber o que é a vida.

armageddontime03 9d097Fonte da imagem: Divulgação/Universal Pictures

Vamos combinar que muitos pais não têm uma noção realista do mundo. Seja por terem recebido uma educação simplista ou por nunca questionarem nada, a falta de atenção na educação dos filhos pode ser uma constante de geração em geração. E o que uma criança faz diante de tantos dilemas? Besteira, é claro!

Este é justamente o rumo que toma a trama do filme: uma revolução por parte das crianças, regado por desobediência e confrontamento. E, então, apesar de compartilharem sentimentos na amizade e pensamentos bagunçados, há um mundo de diferenças separando as realidades de Paul e Johnny.

Paul é um garoto branco, de classe média e que tem situações de desconforto em casa, como seu pai debochando de seu futuro como artista. Felizmente, Paul tem o amparo do avô, Aaron Rabinowitz (Anthony Hopkins), que não apenas é muito sábio, como respeitada em sua família e alguém que apoia o garoto.

armageddontime04 82401Fonte da imagem: Divulgação/Universal Pictures

Já o pequeno Johnny é negro, pobre e tem situações complexas em casa — isso para não dizer situações extremas. A verdade é que ele deveria morar com sua avó, mas acaba fugindo de casa para não ser enviado para um lar adotivo, já que a avó está doente e não tem condições de cuidar propriamente dele.

Aos poucos, Paul percebe as situações de racismo enfrentadas pelo amigo, ataques que vêm do professor que o pune constantemente, ou dos colegas e da sociedade como um todo. A amizade dos dois passa por muitas provações quando Paul muda de escola e ele se afasta de Johnny principalmente pela influência dos novos colegas.

Nem todo filme tem uma moral

A solução? O apoio do avô Aaron, que sofreu preconceito durante boa parte da vida pelo simples fato de ser judeu. No entanto, há outras situações que se desdobram e mostram ao pequeno Paul que o futuro de sucesso, o tal sonho americano, talvez não seja para todos e que a sociedade geralmente trabalha contra os desfavorecidos.

E se você rolar a página um pouco verá que o ano de publicação desta crítica é o mesmo de lançamento do filme: 2022. No entanto, a ambientação de “Armageddon Time” é lá no início da década de 1980, portanto temos aqui uma janela de quase 40 anos que prova que as questões raciais, as injustiças e os preconceitos continuam fortes e precisam ser combatidos e debatidos. Não por acaso este filme existe.

armageddontime05 b8705Fonte da imagem: Divulgação/Universal Pictures

Aliás, pausa para elogiar as excelentes atuações de Banks Repeta e Jaylin Webb. Se para o grande público já é complicado absorver as ideias do filme, é preciso de muito talento por parte do elenco mirim para conceber as minúcias e incorporar personagens complexos que talvez estejam bem distantes de suas realidades.

Por outro lado, é interessante como os adultos têm participação enxuta neste filme. Assim, apesar de vender muito com o nome dos famosos, todos têm papeis praticamente secundários, mas é claro que as atuações de Anne Hathaway e Jeremy Strong são fortes (com o perdão do trocadilho). No entanto, como de praxe, é Anthony Hopkins que realmente se destaca, tanto por ter maior relevância na trama quanto por ser um ator fenomenal.

Enfime, chegamos ao grand finale, que não é tão grand e talvez não seja um finale. Eu sei que a sensação para muitos ao fim do filme pode ser que “nada acontece”, já que o roteiro acaba de forma brusca e sem entregar uma moral. Bom, eis a moral: a luta por uma sociedade melhor para todos não é uma obrigação do filme, já que mesmo uma odisseia talvez não seria suficiente para resolver as injustiças sociais.

Contudo, é importante relembrar que a concepção que temos de filmes enquanto puro entretenimento não é uma máxima. Aos que gostam de chorar com dramas e ver tramas com finais felizes, há uma variedade de outras obras. Só que este não é o tipo de filme que “Armageddon Time” quer ser e, de vez em quando, é bom pensar fora da caixinha.

Critica do filme Adão Negro | Poder nascido da raiva... dos espectadores

Errado desde a sua concepção, Adão Negro falha em quase tudo que tenta fazer. Originalmente visto como um vilão para o filme do Shazam! – o que de fato seria uma ideia interessante, haja vista a justaposição dos dois personagens nos quadrinhos – o conceito foi engavetado para que The Rock pudesse encarnar o personagem em um filme solo.

Com esse primeiro erro tudo começa a ruir pela base. Tudo no roteiro é acidental, nada parece ter um propósito maior a não ser oferecer uma plataforma para que The Rock flexione seus músculos, destrua paredes e dispare raios.

O elenco principal, leia-se aqui o próprio The Rock, Pierce Brosnan e Aldis Hodge – os únicos com algum material para trabalhar, e que parecem se esforçar para entregar algo além de frases de efeito e caras contemplativas – logo se rendem aos gritos de guerra e “piadotas” sem graça. Criticar é fácil, mas é difícil fazer igual, o estilo Marvel esté visivelmente saturado, entretanto, mesmo em seus momentos mais lamentáveis (vide Thor: Amor e Trovão) ainda entrega produções minimamente coerentes.

Nascido da raiva (dos espectadores)

Nos quadrinhos, Adão Negro é um personagem interessante, cuja história de origem e flexibilidade moral fazem a sua vilania beirar o anti-heróismo. No roteiro abobalhado assinado por Adam Sztykiel (Rampage - Destruição Total) em parceria com Rory Haines e Sohrab Noshirvani (O Mauritano), as ações de Adão Negro são basicamente justificáveis por conta da imbecilidade de todos os outros.

Para alegria do “nerdola incel” que odeia pensar, o filme não aproveita seus momentos de “lacração” o que elevaria consideravelmente o nível intelectual da produção. O suposto herói em conflito não apresenta nenhum conflito, temos um “Wolverine” místico que pode ser violento, mas que ainda opera dentro dos “limites” de um anti-herói. Talvez por conta do carisma inato de Dwayne “The Rock” Johnson, o roteiro nunca explora a verdadeira dualidade de Adão Negro e a fina linha que separa anti-heróis e vilões.

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A presença da Sociedade da Justiça é outro elemento que beira o ridículo pelo esforço consciente dos roteirista em transformar a equipe em capangas do governo. Não há qualquer e esforço para trazer a tona discussões como o intervencionismo estadunidense, ou o fato de que super-heróis estão seguindo ordens de agencias governamentais com agendas escusas.

Além disso, a própria formação da Sociedade da Justiça já mostra o desdem com o time, apesar de trazer Gavião Negro (Aldis Hodge) e Senhor Destino (Pierce Brosnan) dois nomes famosos nos quadrinhos, a escolha pela introdução de Cíclone (Quintessa Swindell) e Esmaga-Átomos (Noah Centineo) é um bom exemplo de como não há qualquer sentido nas decisões do roteiro. Cíclone e o Esmaga-Átomos são mal desenvolvidos e literalmente não fazem qualquer falta para o desenvolvimento do filme.

Muito mais do menos

Considerando que ainda há quem defenda outras produções do DCEU (o universo cinematografíco da DC), como o infeliz Liga da Justiça de Zack Snyder, é fácil entender como Adão Negro deve encontrar seu público. Em um amalgama de pancadaria em câmera lenta e equipes de super-herois desorganizadas e personagens moralmente ambíguos, o filme consegue sim entregar um catadão do que há de pior nos filmes da DC, em um mix de Batman vs Superman e O Esquadrão Suicida.

Dito isso, é inegável que o exagero se torna um atributo de Adão Negro. É na pancadaria que o filme, e o diretor Jaume Collet-Serra (Jungle Cruise) se consagram. As cenas de ação são grandiosas e a fotografia de Lawrence Sher (Coringa) ajudam a entregar alguns bons momentos de puro suco de gibi, mas será que isso é suficiente?

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Além de estabelecer um sub-gênero bem definido os filmes inspirados nos heróis dos quadrinhos evoluíram e já não se limitam a mostrar pancadaria e feijoada. Não há vergonha em apreciar uma cena de luta belamente coreografada, da mesma forma que não há demérito em fazer o espectador pensar.

Personagens bem elaborados e desenvolvidos são essenciais para qualquer produção, mas parece que Adão Negro sofre com o que só pode ser descrito como descaso da Warner/DC. O mesmo estúdio que entregou o Batman de Matt Reeves - um filme multifacetado com personagens profundos e história envolvente - não investe esforço algum no desenvolvimento de Adão Negro, acreditando que a mera presença de Rock carregará toda a película, uma pena, e mais uma ótima chance perdida para reestabelecer o sempre cambaleante DCEU.

Critica do filme Halloween Ends | Todo carnav... Halloween tem seu fim!

Quando Halloween despontou nos cinemas em no final dos anos 70 pouco se esperava do filme, um retorno seguro do modestíssimo investimento de 300 mil dólares gastos para produzi-lo, entretanto, a condução magistral da dupla John Carpenter & Debra Hill, entregou muito mais. Redefinindo todo um gênero com um terror indo além das mortes e mutilações, Halloween introduziu um assassino psicopata incontrolável que, como o próprio Carpenter sempre o identificou, uma personificação do mal, uma força da natureza, imparável que inspira medo mesmo em sua ausência. 

Mais de 40 anos, nove filmes, e oito diretores diferentes, e a franquia Halloween -- que já passou por muitos baixos e poucos altos -- nunca conseguir reproduzir o impacto do original. As diversas sequencias tentaram introduzir elementos místicos, uma história de fundo para a psicopatia do assassino mascarado, Michael Myers, e sua vitima fetiche a “babá” Laurie Strode, mas nada que realmente capturasse o espírito primordial descrito por Carpenter que viu na “Forma” de Myers, uma personificação do medo, do mal e nada mais.

O que nos traz até hoje e até as mãos de David Gordon Green. Comandando uma nova trilogia, o diretor propõem algo maior do que apenas um novo capítulo da saga Halloween, não se trata de um prequel, ou de uma mera continuação, mas de um revisão da essência da franquia e, por consequência, do próprio gênero slasher que foi tão influenciado pela produção original. Em Halloween Ends, terceiro e último capítulo do experimento de Green, temos uma conclusão muito satisfatória,  com elementos inteligentes e um arco verdadeiramente interessante, mesmo que não consiga atingir todo seu potencial.

A consciênca do abismo

Em Halloween Ends já começa como reflexo de Halloween Kills, não apenas por se tratar de uma sequencia, mas por conta de toda a proposta da trilogia de Green, que explora o mal como algo muito maior e intrusivo do que o psicopata mascarado, mas como uma insidiosa sociopatia que afeta a tomos, mesmo aqueles que nunca tiveram contato com a “forma” de Myers. Em Halloween Ends, Laurie Strode e Michel Myers não são necessariamente os protagonistas, surpreendentemente, o diretor faz questão de esconder essas cartas, mostrando apenas um “curinga” que entra em jogo não para despistar o espectador, mas para expandir as regras do jogo. 

Em Halloween e Halloween Kills vemos como toda a cidade de Haddonfield entra em um frenesi causado pelo retorno de Michael Myers e dos traumas causados por ele a mais de 40 anos atrás. O mal já não estava mais contido apenas na “forma” de Michael, como um virús, o mal já havia infectado os moradores de Haddonfield e a ausência do psicopata mascarado cria um vácuo para a “criação” de um novo monstro que seja o catalizador do medo dessa comunidade.

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Nesse contexto acompanhamos a história de Corey um rapaz que, enquanto trabalhava como babá se envolve em um acidade que causa a morte de uma criança durante uma noite de Halloween, tornando-se o alvo perfeito para uma cidade que precisa de uma personificação para o seu medo. Sem a figura de Myers, tanto Laurie quanto Corey são vitimas veem na obstinação de Laurie e na irresponsabilidade de Cory, como indícios do próprio Michel Myers.

Esse é o grande trunfo da trilogia de David Gordon Green, o resgate da essência do mal que Michel Myers representa. Como Carpenter já anunciava lá em 1978, o bixo-papão não precisa ser real para nos atormentar. O medo, o mal é real e imparável não por ser uma criatura sobrenatural invencível, mas por ser um conceito enraizado em cada um de nós, algo que está fora e dentro de cada um, o abismo nietzschiano tem consciência e nos observa da mesma forma que observamos ele.

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Além do bem e do mal

David Gordon Green incomoda, propositalmente, o fã que espera um banho de sangue e mortes exageradas. Halloween Ends compreende o desvio exagerado presente na iteração anterior e não se perde pelo mesmo caminho de Halloween Kills, fechando a trilogia com uma mensagem que se mostra mais impactante do que a sanguinolência.

Halloween Ends não é nenhuma obra prima, mas entrega um final muito satisfatório para a trilogia de David Gordon Green e porque não, para toda a saga de Michael Myers e Laurie Strode. O filme tem a coragem de não se apoiar exclusivamente no psicopata mascarado e ou em galoes de sangue e membros dilacerados para prender o espectador, dito isso, ainda há uma boa quantidade de violência e até mesmo um intenso embate final entre com a sexsagenária Jamie Lee Curtis.

Halloween Ends funciona tão bem como conclusão da saga, que até mesmo redime algumas das falhas de seu antecessor

Na verdade, Halloween Ends funciona tão bem como conclusão da saga, que até mesmo redime algumas das falhas de seu antecessor, que contextualizado dentro da trilogia, se mostra necessário para o contraponto nessa conclusão. A trilogia como um todo também parece conter dentro de si uma progressão interessante que reflete a própria evolução do gênero ao longo dos anos; Halloween (2018) é uma referência direta às origens do slasher, Halloween Kills espelha a sanguinolência e sarcasmo dos anos 90 (como na série Pânico), e Halloween Ends apresenta a forma mais contemporânea desses filmes que tentam explorar origens e ramificações do mal dentro da sociedade.