Parece quase indispensável encontrar distrações nessa época tão sombria que estamos vivendo, seja por conta do distanciamento social ou seres completamente ineptos no poder. Com a impossibilidade do povo ir ao cinemas, as distribuidoras encontram estratégias alternativas para não perder totalmente o lucro das produções.

Por essa razão a Sony Pictures (entre diversas outras empresas) resolveu adiantar o lançamento digital de alguns filmes, e no caso de "Bloodshot", disponibilizou no canal oficial os 8 primeiros minutos do longa, para instigar todo mundo a assistir.

Parece quase indispensável encontrar distrações nessa época tão sombria que estamos vivendo, seja por conta do distanciamento social ou seres completamente ineptos no poder. Com a impossibilidade do povo ir ao cinemas, as distribuidoras encontram estratégias alternativas para não perder totalmente o lucro das produções.

Para quem gosta de filmes de ação e do astro Vin Diesel, “Bloodshot” promete agradar. Porém, ninguém mais aguenta histórias de origem de super heróis, ainda mais um tão obscuro quanto esse. Por isso o diretor David S. F. Wilson teve a complicada tarefa de entregar um filme com potencial para iniciar uma franquia longe das enormes Marvel e DC Comics.

“Bloodshot” quase consegue renovar o gênero com muita ação e uma pitada de diversão, mas falha por conta do ator principal ser excelente com lutas e carros e péssimo quando a atuação exige mais do que três palavras.

Uma nova franquia de heróis?

Raymond Garrison, codinome Bloodshot, é um personagem criado em 1992 por Kevin VanHook, Bob Layton e Don Perlin. Foi publicado pelo selo Valiant Comics, que contava com diversos heróis alternativos, mas foi apenas em 2012, depois de contratar diversos membros da Marvel Comics, que a editora Valiant relançou seu universo de super heróis, dando um reboot total da história e atualizando todos os personagens. O resultado foi excelente, revitalizando os personagens para um público novo sem desagradar o público antigo e hoje em dia a Valiant possui o terceiro maior universo compartilhado dos quadrinhos.

A adaptação para as telonas precisou “achatar” bastante a história para caber no formato proposto, mas o essencial está todo ali. Ray Garrison é um militar dedicado e excelente em seu trabalho, mas sua vida sofre uma reviravolta quando ele e sua esposa são sequestrados e mortos. Ray consegue ser ressuscitado pelo Dr. Emil Harting (Guy Pearce), que conseguiu essa façanha substituindo todo o sangue por nanitas, que são nanorobôs que agem em uma células sanguínea, só que nesse caso de uma forma muito criativa e exagerada.

Muito semelhante ao Wolverine, Ray não consegue se lembrar de nada do seu passado e  adquire a capacidade de se regenerar por completo, não importando o quando ele fique ferido, além de ter suas capacidades físicas ampliadas. Ele também ganha acesso a redes de computador, incluindo a internet, sem precisar de nenhum dispositivo além de seu cérebro,
o tipo de herói que todo adolescente quer ser.

Há ainda um grupo de super soldados: KT (Eiza González), Jimmy Dalton (Sam Heughan) e Tibbs (Alex Hernandez), cada um com uma história trágica e um membro robótico, que estão ali apenas para desempenhar um papel genérico e não se desenvolvem na trama. Tudo muito legal, até Ray lembrar-se que foi assassinado e viu sua esposa ser morta friamente. Ele decide vingar-se a qualquer custo, mas nem tudo é o que aparenta.

Uma nanotrama

Potencialmente tudo isso seria perfeito para um filme de ação desenfreada e muita computação gráfica, que são entregues até certo ponto. Pessoalmente, eu parei de considerar Bloodshot como um filme e comecei a ver como se fosse um videogame, pois a proposta seria perfeita para um jogo, se não fossem todos os aspectos genéricos da trama que qualquer pessoa que já assistiu filmes de ação ou de super-heróis reconhece sem esforço. Isso não é necessariamente ruim, o longa é até divertido, mas o que decepciona é o potencial desperdiçado.

Sem entrar em detalhes para não estragar a trama, o filme é repleto de clichês e uma mistura de diversas outras obras, o que não seria um problema se fosse bem utilizado. São poucas cenas de ação que se destacam, não existe desenvolvimento do personagem e a inexpressividade do astro Vin Diesel não ajuda a criar empatia com o personagem. Existe ainda uma tentativa de subtexto sobre liberdade e sobre cada um ter a escolha de quem quer ser, mas é preciso um esforço enorme para enxergar algo além dos nanitas espalhando-se e voltando em câmera lenta, que é o charme do filme (fica aqui meu parabéns à nanotecnologia). 

A história coescrita por Jeff Wadlow e Eric Heisserer busca uma fórmula desnecessária. É quase como se eles soubessem que a franquia não tem futuro e só entregassem o básico, com medo de errar. Quando o longa encosta timidamente na comédia, subitamente volta a ser “séria”, por medo de ser mal interpretada. Nesse sentido, o grande destaque fica por conta de uma adição surpreendente de Wilfred Wigans (Lamorne Morris), que com pouquíssimo tempo  de tela, é um personagem lunático e genial, com falas malucas que fazem rir sem esforço.

Enfim, “Bloodshot” é um filme mediano quando poderia ser excelente. O final é totalmente anti climático e é até ironizado por um dos personagens, com pouca expectativa para o futuro. Se o universo Valiant continuar nos cinemas, será preciso um esforço bem maior (e talvez um ator no papel principal que seja mais expressivo) para decolar.

Há muitas formas de contar uma mesma história e nem sempre os fatos serão os mesmos – ainda mais quando há uma subjetividade conforme a narrativa e o protagonismo. No caso de contos clássicos como “João e Maria”, você já conhece a versão tradicional, que é contado a todas as crianças, mas, quando a gente fala em audiovisual, sempre há espaço para uma pitada de inovação.

Agora, se a ideia é levar um conto desses a sério, temos de combinar que uma simples história de duas crianças perdidas na floresta não tem muita substância. Assim, para focar num público mais adulto, é preciso mais do que contar com ideias rasas e a inocência da plateia. Então, em vez de continuar com velhas ideias (ou apenas dar armas aos protagonistas), esta nova pegada visa um lado mais sombrio.

Primeiro, temos uma mudança drástica no tom, que deixa de lado a fantasia e passa a ser um retrato mais realista. Além disso, essa nova adaptação (se é que pode ser chamada assim, já que ela foge bastante do trivial) altera muito a sequência da história ao mudar o protagonismo. Aqui, Maria é a irmã mais velha e toma as decisões, de modo que isso justifica também a alteração no título do filme.

O enredo segue uma premissa similar, mas há uma contextualização mais elaborada. Durante um período de escassez, Maria (Sophia Lillis) e seu irmão mais novo, João (Sammy Leakey), saem de casa para buscar comida e abrigo. No caminho, eles encontram cenas e situações inusitadas, inclusive se deparam com uma casa que pode ser sua salvação ou sua perdição.

E se você quer saber se o filme é bom, mas não quer spoilers ou detalhes da produção, o que posso dizer é que “Maria e João: O Conto das Bruxas” consegue manter um clima de tensão intenso, ao mesmo tempo em que impressiona visualmente. Não se trata de um filme muito assustador, então não espere demônios saltando na tela, porém ele é bem misterioso e leva a gente numa jornada perigosa pela imaginação.

Os mistérios da floresta

No todo, a história de “Maria e João” é muito distinta da habitual, mas há vários elementos que obviamente vão fazer alguma conexão com o imaginário do público que já tem uma noção de cenário e possíveis situações de apuros que os protagonistas enfrentarão nesta jornada na busca pela sobrevivência.

Poderíamos nos perguntar como a diferença de abordagem no roteiro poderia criar um impacto tão distinto, mas no fundo não se trata de uma história totalmente assustadora. O ponto é que essa nova adaptação abusa de detalhes simples, mas que são muito funcionais num projeto que visa passar uma sensação amedrontadora.

Em vez de simplesmente “jogar” criaturas bizarras na tela, o script Rob Hayes opta por uma construção lenta, que usa muitos recursos de suspense para ampliar o medo infligido aos personagens, que, naturalmente, é repassado à plateia. Um barulho no meio da noite, um vulto entre as árvores, uma oportunidade fácil que cria dúvidas.

A cada instante, o roteiro do filme brinca com diferentes perigos deste mundo perigosos e assustador, ainda mais para dois protagonistas tão jovens. E, aos poucos, o filme vai construindo a sensação de perigo e transformando um ambiente que poderia ser alegre em algo insano e sem muito direcionamento. Tudo pode acontecer, ainda mais quando a sanidade está em jogo.

Uma floresta encantadoramente terrível

Para dar essa amplitude do terror inusitado, o filme dirigido por Oz Perkins (que já fez o filme de terror “O Último Capítulo” na Netflix) abusa de algumas cenas astutas. As câmeras posicionadas estrategicamente para deixar o ambiente mais imersivo, a fotografia pensada para usar silhuetas como gatilhos ao imaginário e os cenários amplamente hostis são convidativos para esse clima de tensão.

E para quem gosta de filmes do gênero, “Maria e João: O Conto das Bruxas” se revela um projeto muito charmoso, pois ele aposta na ambiguidade, ao mesmo tempo em que se mostra muito honesto em sua proposta. Às vezes, uma coisa que parece algo não é necessariamente o que você pensa, porém, o filme não faz muitas afirmações, deixando o público imaginar os possíveis – e terríveis – desdobramentos da história.

Curiosamente, mesmo sendo mais voltada ao suspense e terror, esta é uma obra que não aposta no trivial, de modo que temos algumas cenas claramente criadas para deixar o filme mais bonito. Luzes impossíveis no meio da floresta, um colorido que cria um ambiente mais confortável para as trevas, efeitos competentes e uma trilha sonora eletrônica caprichada (que mais parece sair de Blade Runner) criam uma dualidade.

E é nesse mundo incrivelmente polido, que acompanhamos a história principal, que nem sempre é a prioridade. O roteiro trabalha muito com a atmosfera, mas não faz questão de dar muitos detalhes sobre o universo dessa nova versão do conto. Isso é obviamente um deslize e pode decepcionar os fãs mais fervorosos que tenham expectativas de ver um filme inusitado. Então, mantenha a calma.

A parte boa é que temos duas ótimas atrizes no jogo de gato e rato: Sophia Lillis e Alice Krige. Ótimas atuações, maquiagem e figurino de acordo com a ambientação, e diálogos que vão dando liberdade para as duas estrelas brilharem neste jogo perverso. Particularmente, eu achei muito bom o rumo proposto pelo roteirista, mas eu sei que nem todo o público enxergará a graça em meio à neblina de dúvidas.

O que dá para concluir é que “Maria e João: O Conto das Bruxas” bebe da fonte de alguns filmes de terror recentes (como “A Bruxa”), não que ele tente plagiar, mas há uma inspiração evidente, bem como tenta criar sua identidade ao trazer referências artísticas de outras obras distintas (como “Mandy”). Um projeto audacioso, que talvez não seja o mais incrível que poderíamos imaginar, mas que agrada no todo e abre as portas para grandes sonhos de terror.

O clássico jogo de videogame da SEGA sendo adaptado para as telonas deixou muitos fãs animados (principalmente furries), mas para o desgosto de muitos é um filme família. Porém, se você nunca se interessou pelo Raio Azul e não dá a mínima para quem é Robotnik, talvez “Sonic O Filme” não seja para você.

É preciso admitir que um ouriço azul que corre muito rápido não é necessariamente uma coisa fácil de adaptar para o cinema, principalmente interagindo com personagens humanos. A solução é rir na cara da lógica e deixar a seriedade de lado para o bem do andamento da trama.

Desnecessário dizer que o filme tem foco no público infantil, mas o apelo aos fãs dos jogos dos anos 90 está nos detalhes, tanto de personagens surpresa quanto easter-egg que dizem “se você é fã isso tá aqui o serviço”. E o mesmo cuidado que tiveram para refazer o personagem é visto nesses detalhes, que não adicionam tanto a trama mas que satisfazem os atentos.

Você não pode fugir de si mesmo, mudando de um lugar para outro

Importante lembrar que após a reação negativa ao primeiro design do Sonic e todo o trabalho para refazer e deixar o boneco menos feio e odioso, é impossível negar que a Paramount quer muito agradar os fãs e não deixar ninguém na mão. Então quem reclamou é obrigado a ver no cinema, sim!

Tudo começa com o fofíssimo Sonic Bebê em sua terra natal sendo obrigado a fugir para o planeta Terra. Sendo basicamente um alienígena muito veloz, ele cresceu escondido em uma pequena cidade no interior de Montana, chamada Green Hills. Apesar do nome semelhante, não é exatamente uma Green Hill Zone, que os fãs vão lembrar de cara, a primeira fase do jogo de 1991, mas é uma das muitas homenagens ao jogo clássico que marcou uma geração. 

Isolado no nosso mundo, Sonic não tem ninguém para conversar além de si (e o público, e tudo bem porque a quarta parede tá aí para ser quebrada mesmo). A dublagem do ouriço fica por conta do comediante Ben Schwartz, que parece que tá sempre acelerado, então combina muito  com as características do nosso protagonista, que por sinal é claramente meio louco devido o isolamento.

Por que a pressa?

Contra todas as probabilidades, o longa é meio arrastado até o protagonista ser forçado a revelar-se para seu único “amigo” Tom Wachowski (James Marsden), um policial que está muito entediado por não poder salvar vidas na cidade pacata em que mora. Entra em cena também o esperado Dr. Robotnik, interpretado pelo sensacional e insano Jim Carrey.

Jim Carrey é bastante caricato, exatamente como o personagem precisa ser. E a partir desse ponto o filme se aproxima muito aos jogos, com Robotnik enviando drones e máquinas para capturar Sonic, enquanto ele corre loucamente e destrói todas elas. Mas como isso não seria o bastante, há também todo um subtexto sobre a amizade e aproveitar a vida, e parte do filme se caracteriza como uma road trip com dois amigos. Filme família!

A direção fica por conta de Jeff Fowler e o roteiro simples, porém eficaz, é assinado por Patrick Casey e Josh Miller. Buscando acertar no que já deu certo, vemos muitas cenas que são praticamente remakes de outros filmes.  Impossível não lembrar da marcante cena de Mercúrio em X-Men, quando todos congelam e o corredor altera o ambiente como bem entende. Sonic faz a mesma coisa, mas com uma música menos empolgante e com ações bem menos criativas. Esse é um dos exemplos, a sensação que fica é a de que tentaram fazer graça com cenas já consolidadas. Não é ruim, só não é criativo. E tudo bem, é bastante divertido ainda.

O que realmente empolga são as adições de personagens surpresa, mais uma contribuição para os fãs falarem “agora vai!”. As cenas pós-crédito são tão inseridas no contexto dos jogos que a possibilidade de uma continuação para essa adaptação empolga mais do que qualquer redesign. E tomara que outros jogos da SEGA sejam feitos com o mesmo cuidado que Sonic recebeu, pois existe muito potencial e uma base de fãs sedentos esperando por isso.

Em tempos que notícias são propagadas via WhatsApp e muitos leem apenas manchetes nas redes sociais, todo esforço para tentar tirar as pessoas da alienação é mais do que válido. Assim, só por ser uma produção que busca retratar uma história de importância global, o filme “O Preço da Verdade – Dark Waters” já merece sua atenção.

E mesmo indivíduos mais antenados podem não conseguir acompanhar todas as notícias, ainda mais quando tratamos de casos fora do Brasil e que foram foco de atenção há mais de uma década. Assim, há chances de que você não faça ideia de quem seja Rob Bilott, mas você provavelmente não terá a mesma visão de mundo após saber da história deste homem.

Em “O Preço da Verdade”, acompanhamos a história do advogado Rob Bilott (Mark Ruffalo), que acaba de virar sócio em um prestigiado escritório de advocacia em Cincinnati, fruto de seu bom trabalho em defender grandes empresas do setor químico. Contudo, ele se vê em conflito após ser contatado por agricultores que acreditam que uma fábrica da DuPont está despejando lixo tóxico num aterro e matando seus animais e campos.

Assim, Bilott, com a ajuda de seu parceiro na empresa, Tom Terp (Tim Robbins), ele registra uma queixa que marca o início de uma luta épica de 15 anos (sim, você leu certo). Uma disputa judicial que exige não apenas de sua saúde mental, mas que também testa seu relacionamento com a esposa, Sarah (Anne Hathaway), e também sua reputação e sustento.

Importante notar que, apesar da importância biográfica, o mais curioso aqui é a revelação de fatos históricos que podem mostrar a você, caro leitor, o quanto somos reféns das indústrias. Desta forma, “O Preço da Verdade – Dark Waters” chega não apenas como entretenimento, mas como crítica e alerta a todos. É uma história que choca mesmo e, certamente, uma obra que merece sua atenção, então veja no cinema!

Instigante do começo ao fim

Confesso que, particularmente, eu tenho uma certa preguiça de filmes divididos em capítulos, mas este é um recurso necessário em alguns casos, ainda mais numa história como esta que pretende contar fatos ao longo de quase 15 anos. É claro que esse tipo de narrativa pode demorar a engrenar, pois algumas peças só vão se encaixar após um bom tempo de roteiro.

No entanto, mesmo sendo um estilo cansativo pelas tantas informações mostradas durante uma sequência de fatos e outra, o script de Dark Waters foi muito bem desenvolvido, de forma que o filme não tenta prolongar uma história já bastante complexa. Focando nos aspectos mais importantes, o filme vai direto ao ponto e conta os principais episódios desta saga judicial.

E apesar de um começo vagaroso, até porque é necessário para introduzir personagens e os aspectos básicos da trama, após alguns trechos da história principal, o filme engata num ritmo, que nos faz querer embarcar junto ao advogado Rob Bilott nesta peregrinação contra uma corporação multibilionária, afinal não se trata de uma causa ganha, para alguns seria algo até impossível e inimaginável. E como é bom assistir a uma história de pura coragem.

O filme mostra uma progressão bem coerente do protagonista, bem como do caso da DuPont, o que nos deixa sedentos a cada minuto de película por mais fatos e reviravoltas. Entretanto, isso não significa que o filme cria um herói ou poupa personagens, pois as lacunas de tempo são bem marcantes na trama através de uma série de fatores que deixa a história da vida pessoal do protagonista também muito intrigante.

Para quem soube pouco através de notícias ou sequer sabe da existência deste caso, certamente o filme se prova ainda mais interessante, pois cada novidade na história é uma surpresa, não de uma mera ficção, mas de um retrato da realidade que mostra o impacto do caso num âmbito global.

E é curioso apontar que “O Preço da Verdade – Dark Waters” é uma odisseia judicial, porém não se torna algo chato ou cansativo, de modo que o roteiro é tão instigante quanto o de filmes da mesma vertente como “Spotligtht – Segredos Revelados”. Nesse ponto, parabéns aos roteiristas Matthew Michael Carnahan (de “Crime Sem Saída” e “Horizonte Profundo”) e Mario Correa que engajaram bem na história.

Convincente nos pormenores

Méritos à parte do roteiro, é válido também comentar o excelente resultado do filme proveniente de um elenco engajado. Primeiro, temos Mark Ruffalo, que além de protagonista foi produtor do longa-metragem. Não é fácil tornar um papel de advogado algo atraente para o público e a missão fica ainda mais difícil quando falamos de um personagem que deve ser retratado em tantos momentos distintos.

Mesmo com vários desafios, Ruffalo parece ter tomado a frente do projeto para levar essa mensagem pessoalmente ao público. Seu personagem sai de uma zona de conforto, passa por várias situações desafiadoras e cria empatia para uma causa que poucos teriam coragem de assumir. Uma atuação convincente e envolvente que nos leva a criar uma sintonia com o protagonista e a ter medo até da própria sombra.

Garantindo um universo ainda mais coerente para este retrato, temos ótimas encenações de Anne Hathaway e Tim Robbins, ambos com tempo considerável de aparição e que ajudam a dar veracidade ao caso. O filme tem êxito em criar personagens bem humanos, o que ressalta a coragem do verdadeiro Rob Bilott. Entretanto, há algumas surpresas durante o filme e também ao fim que vão deixar você ainda mais intrigado com os detalhes observados pela produção. Tudo leva a uma série de fatores bem pesados!

E falando em produção, vale mencionar os cuidados do filme na montagem de cenários e na construção dos personagens. Num filme em que é preciso retratar épocas tão distintas, temos um trabalho muito competente que vai desde figurino, até cenários internos e carros nas ruas que permitem essa distinção bem clara. Da mesma forma, a maquiagem dos personagens principais ajuda a perceber o cansaço do caso e o amadurecimento dos envolvidos.

Por fim, mas não menos importante, uma coisa que sempre ajuda em filmes históricos é a questão da cinematografia, edição e tratamento de cor, algo também desafiador para o time técnico, mas que parece ter tirado de letra na hora de criar esse ambiente nostálgico, mas também ameaçador da história. Enfim, seja pelo retrato de uma história importante ou pela crítica a um tema muito pertinente em tempos de governos irresponsáveis, “O Preço da Verdade – Dark Waters” é um filme necessário e importantíssimo para todos!

Depois de um começo infeliz, com a trindade da imbecilidade — Batman Vs Superman, Esquadrão Suicida e Liga da Justiça — a Warner parece ter encontrado a maneira adequada para trazer os heróis da DC para o cinema. Mesmo que ainda não esteja claro qual será o futuro do DCEU, o sucesso de Mulher Maravilha, Aquaman e Shazam! recuperaram a fé dos fãs, que encontraram em Aves de Rapina algo mais equilibrado e coerente, muito maior do que o "filme da muié do Coringa”.

Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa, também conhecido como “Arlequina em Aves de Rapina” ou ainda pelo título não oficial, “como podemos colocar a única coisa realmente boa de Esquadrão Suicida em mais filmes para alavancar as bilheterias”, consegue equilibrar o tom, mesmo carregando o fardo de adaptar uma personagem incrivelmente complexa. Christina Hodson e Cathy Yan, que assinam o roteiro e a direção, respectivamente, criam um filme ágil e divertido que não compromete a visão dos fãs de quadrinho, ao mesmo tempo em que se mostra acessível para novatos da franquia.

A história simples, mas eficiente, dá espaço suficiente para o elenco brincar com seus personagens, mesmo que todos deem um passo para trás na presença marcante de Margot Robbie. Aves de Rapina pode parecer como um grande palanque para a Warner exibir a personagem título, mas não é só isso. Divertido e consistente, a produção entrega o que promete, muita ação e humor, com um temperinho de empoderamento.

É hoje que ele paga todo o mal que ele te fez

Sem entrar em detalhes cronológicos, mas evidentemente após os eventos de Esquadrão Suicida, o relacionamento tóxico do Coringa com Arlequina finalmente chega ao fim. Sozinha e disposta a provar sua independência, financeira e sentimental, a vilã muda o visual, adota uma mascote — uma carinhosa hiena (batizada de Bruce Wayne) — entra para um time de roller derby e manda um grande recado para o seu ex explodindo a "Ace Chemicals", o lugar onde o relacionamento dos dois começou.

Causando pela cidade, a Arlequina conquista uma série de desafetos que, por medo de uma retaliação de seu, até então consorte, nunca levantaram um dedo contra a moça. Mas agora, com o anúncio catártico do término com o Sr. C, Harleen Quinzel coloca um grande alvo em suas costas e agora todo mundo está atrás dela, e é aqui que as coisas começam a ficar interessantes.

Quando a história parece pronta para se prender totalmente na jornada de auto-descoberta de Arlequina, o filme abre espaço para as outras estrelas da produção, as verdadeiras Aves de Rapina. Com a ajuda da própria Harleen Quinzel que conta a história de diferentes ângulos, somos apresentados a Caçadora, a Canário Negro, a Detetive Montoya e Cassandra Cain (que nos quadrinhos já assumiu o manto da Batgirl) e descobrimos como cada uma também busca o seu espaço.

Cabelo ok, marquinha ok, sobrancelha ok, a unha tá ok...

Margot Robbie segue brilhante como a Arlequina. Se destacando como único ponto redentor do pífio Esquadrão Suicida, a atriz conseguiu transformar a vilã ensandecida em uma anti-heroína carismática e empoderada. Ao lado de um elenco igualmente impactante, a história reforça a luta das mulheres para marcar seu território em um mundo real ou fictício controlado por homens (heróis ou vilões).

Mary Elizabeth Winsted insere a dose certa de humor na perturbada Caçadora, enquanto Rosie Perez, na pele da frustrada Det. Renee Montoya, representa uma ancora de realismo dentro do universo fantástico de vingadoras mascaradas e superseres. Ella Jay Basco traz uma boa diversidade ao elenco como a pequena Cassandra Cain, que inadvertidamente se torna o MacGuffin da trama, que também conta com Ewan MacGregor em excelente forma na pele do deliciosamente odioso Máscara Negra.

Vale também um destaque muito especial para Jurnee Smollett-Bell que completa a equipe das Aves de Rapina como a heroína Canário Negro (famosa por seus poderes advindos da sua voz). A atriz canta (de verdade) e encanta com uma versão suave do clássico de James Brown, "It's a Man's Man's Man's World”, além de dar chutes bem altos.

Tudo Ok

Sem sombra de dúvida, o grande feito de Aves de Rapina é o de dar espaço suficiente para todas as personagens. Mesmo que Arlequina seja a protagonista e narradora, o filme sabe que a luta não é só dela. Mesmo com as liberdades poéticas da anti-heroina ensandecida, a história de cada uma dessas mulheres tem seu espaço na tela, conferindo muito dinamismo ao roteiro que, apesar de simplório, é muito eficiente.

Cathy Yan não perde o foco, mesmo tendo que acompanhar várias histórias ao mesmo tempo, e ainda entrega cenas de ação de alta qualidade. Com ótimas coreografias, que remetem diretamente ao excelente John Wick: De Volta ao Jogo — muito por conta da participação do próprio Chad Stahelski e sua companhia de dublês 87eleven —, a diretora equilibra bem a violência variando o estilo entre o puro exagero, a comicidade e momentos de alta tensão.

Os aspectos técnicos de Aves de Rapina são bem executados. A fotografia é suficientemente criativa para misturar o já característico clima sombrio metropolitano de Gothan City com uma explosão de cores, confete e purpurina próprios da cabeça da Arlequina. A extravagância visual da personagem se contrapõe aos cenários lúgubres, desfilando com figurinos exagerados e disparando tiros de confete, a Arlequina define seu lugar em um mundo normativo que tanto tenta enquadrá-la.

Se ele te trombar vai se arrepender

Apesar da ótima ideia de mostrar heroínas empoderadas, fica evidente que tudo começou como plataforma para a excepcional Arlequina de Margot Robbie. O acerto vem na construção do filme que, graças aos esforços de Christina Hodson e Cathy Yan, fortalecem o elenco como um todo e não se prendem somente a personagem titulo.

Diferentemente do que alguns podem pensar, não se trata do filme da “muié do Coringa”. As Aves de rapina se sustentam por si só, não dependem de ninguém, mas reconhecem a força na sororidade da equipe, e essa é toda a premissa do filme,  mesmo que o conceito de mulheres fortes e independentes ainda pareça como pura fantasia para alguns.

Aves de Rapina não é o "filme da muié do Coringa", é filme de todas mulheres que tem que lutar pelo seu lugar no mundo

Sem cair em um grande rompante feminista, o filme entrega uma mensagem e de quebra um bom filme de ação. Mesmo com o futuro incerto do universo cinematográfico da DC, Aves de Rapina consegue se posicionar dentro da franquia e mostra algumas possibilidades do que está por vir, especialmente porque Christina Hodson, roteirista do filme também está atrelada ao filme do Flash, previsto para 2022, lembrando ainda que em 2020 já temos confirmados os lançamentos de Mulher-Maravilha 1984 e para o ano que vem estão engatilhados a nova iteração do Batman, do Esquadrão Suicida e o derivado de Shazam!, Adão Negro (focado no tradicional vilão do herói mágico).

Há quase duas décadas, o cinema japonês ganhou projeção mundial com alguns títulos de terror que traziam inovação em um cenário que até então era dominado pelos clichês americanos. Nomes como “O Chamado”, “O Grito” e “Água Negra” marcaram época e se destacaram ao apresentar uma série de maldições bizarras, mas também muito assustadoras — algo impulsionado pelo próprio estilo japonês de trabalhar com o medo.

As versões originais desses filmes, no entanto, ficaram restritas aos canais de TV por assinatura (lembro de ter assistido todas essas pérolas no Cinemax) e a poucas cópias em locadoras selecionadas. Assim, as produtoras e distribuidoras americanas tiveram a brilhante ideia de fazer versões inspiradas nas originais, mas com elenco, efeitos e o estilo americanos, ou seja, pegando uma história e adaptando ela para caber nos moldes de Hollywood.

De lá para cá, a gente já teve ao menos uma versão de cada um desses filmes, mas os caras não cansam de ganhar dinheiro e resolveram refazer “O Grito” mais uma vez. E você poderia se perguntar: mas por que mais um remake? E a Sony certamente responderia: e por que não? Pois é, aparentemente, qualquer projeto que apareça de bandeja, os produtores estão aceitando, então o negócio é aceitar que algumas companhias já não tem mais fitros.

Bom, dito isso, a dúvida que fica é: o que a nova versão de “O Grito” tem para contar? Em teoria, nada de novo, mas a história mais recente tem alguns personagens diferentes e também uma nova condução da maldição, mas isso não significa que ela consegue fugir do básico: uma casa assombrada por um espírito vingativo que condena todos que ali entrarem com uma morte violenta. E isso é uma coisa boa, afinal um remake não pode desvirtuar completamente.

Todavia, o que torna esta nova pegada de “O Grito” muito ruim é o roteiro mal pensado, a execução simplista e a péssima construção dos momentos de tensão. Contado de forma não linear, o filme vira uma verdadeira bagunça após alguns poucos minutos de projeção e tudo só tende a ir por água baixo com personagens rasos que nem mesmo um elenco capacitado (que está presente aqui) consegue salvar. Vamos falar mais do filme, mas já fica o alerta: poupe sem tempo e dinheiro.

De boas intenções o inferno está cheio!

Antes de continuar falando sobre os defeitos do filme, eu acho válido apontar que “O Grito” não é uma sucessão de erros, mas apenas um projeto montado de forma errada e com uma trama que não consegue impressionar a audiência. Há que se apontar as qualidades do filme, que são notáveis na questão da fotografia, do design de produção e também da trilha sonora.

Sim, a equipe de arte do filme acertou bem nesses detalhes, sendo que o longa consegue ser bastante persuasivo em seu tom sombrio. Até mesmo nos momentos diurnos durante a história, é possível perceber o clima amaldiçoado do filme. Com uma boa ajuda de edição pra remover a saturação e uma montagem adequada de cenários mais antigos, o resultado é coerente para um script de terror.

Importante pontuar que, particularmente, eu sempre fico me perguntando o motivo pelo qual os americanos gostam tanto de locais mal iluminados, ambientes tão escuros e situações tão desconfortáveis. Sim, é óbvio que isso é proposital num filme de terror, mas a má vontade de tentar criar um clima de suspense e tensão em outras condições é uma regra em títulos do gênero.

Da mesma forma, toda a parte sonora do filme foi muito bem pensada, sendo que todos os pontos favorecem as cenas mais assustadoras do longa-metragem — que são poucas, previsíveis e quase inofensivas, mas elas existem. Assim, certamente “O Grito” não é uma falha na parte de desenho do projeto, mas da execução mesmo.

Queimando uma franquia de terror sem dó!

O problema principal para “O Grito” ser considerado uma falha é que ele não é um filme isolado. Não se trata de um projeto qualquer, mas de uma nova abordagem de uma história já conhecida. Assim, é perfeitamente natural que os fãs de terror irão ao cinema já com uma certa expectativa — e até com uma base de comparação, que pode não ser de um patamar muito elevado, mas os filmes antigos (principalmente o japonês) são satisfatórios em suas propostas.

Assim, temos uma série de erros de Nicolas Pesce, diretor e roteirista do filme, que até faz um trabalho competente como cineasta, mas que peca terrivelmente como escritor. O idealizador da película consegue criar situações bem interessantes para os momentos mais tensos do filme, o jogo de câmeras, os ângulos apertados dentro da casa e as cenas com close são adequadas para um terror.

Todavia, de nada adianta saber controlar a câmera, quando temos uma trama confusa, totalmente desordenada e até anticlímax. Com diálogos rasos, personagens totalmente irrelevantes e situações previsíveis desde o momento zero, o filme não apresenta surpresas e fica cansativo com apenas trinta minutos de projeção. O clichê aqui é o ingrediente principal!

Eu tenho dó do elenco, que inclui nomes relevantes como Lin Shaye (que não parece ter aprendido nada em “Sobrenatural”), John Cho (que certamente estava no filme errado), Andrea Riseborough (que fica igual uma barata tonta tentando conectar os pontos de uma história sem propósito) e Demián Bichir, o qual não agrega em nada à trama. Poderíamos trocar todos eles por vários desconhecidos, que não mudaria em nada o resultado do produto, pois eles são mal aproveitados.

Ao menos, Pesce teve a dignidade de fechar todas as pontas, mas ele provavelmente não será chamado para mais filmes de terror. Sem tentar dar explicações ou apresentar novidades na forma de criar terror, o novo “O Grito” é um desperdício de tempo e certamente foi um bom exemplo de como não recomeçar uma franquia. Se a ideia era pensar em uma possível sequência, a produtora vai desistir rapidinho.