Mesmo contando com apenas três longas em seu currículo, Robert Eggers já é um dos nomes contemporâneos mais interessantes do cinema de gênero. Com uma estética singular e capacidade especial de traduzir folclore em realidade, e realidade em fantasia, o proverbial auteur estadunidense chamou a atenção de todos com sua película de estreia, o sombrio A Bruxa, e consolidou seu nome entre os diretores fetiche de “cinéfilos cult” com seu delírio onanístico de O Farol. 

Já carregando uma grande expectativa e peso criativo, o diretor retorna agora com uma versão visceral da afamada história do príncipe vingador Amleth, o mesmo que inspira a “A Tragédia de Hamlet, Príncipe da Dinamarca” do bardo britânico William Shakespeare. Amalgamando realidade e fantasia, com a sua estética já característica, Eggers aposta em um elenco de peso para entregar o que é, subjetivamente, a sua obra mais acessível.

A trama icônica e atemporal, aliada a um elenco recheado de estrelas — incluindo Alexander Skarsgård, Nicole Kidman e Anya Taylor-Joy — facilitam a digestão de um filme que se apresenta como épico, mas performa como teatro. Em uma releitura escáldica, própria da Edda em prosa, O Homem do Norte se equilibra entre realidade e fantasia, entregando um filme visualmente impactante que deve agradar principalmente aqueles totalmente alheios ao “culto hermenêutico Eggersiano”.

Há algo de podre no reino da...

O roteiro assinado pelo próprio Robert Eggers e o celebrado escritor, poeta e compositor islandês Sjón (Sigurjón Birgir Sigurðsson) – que também assinou o roteiro do suspense dramático surrealista, Cordeiro - adapta a lenda nórdica do príncipe Amleth (a mesma história que inspiraria a criação do Hamlet shakespeariano) e sua busca desvairada por vingança. O jovem príncipe Amleth (Alexander Skarsgård) promete vingar o assassinato de seu pai, o Rei Aurvandil (Ethan Hawke), morto e usurpado pelo seu próprio irmão, Fjölnir (Claes Bang).

A sanha primitiva e reducionista, própria do medievalismo viking, é apenas uma cortina que esconde por trás de seu desfraldar os verdadeiros temas da saga de Amleth. Sem o mesmo cuidado de Shakespeare, a dupla elabora um roteiro que cria espaços suficientes para uma mise en scène de tom “teatral”, capaz de suportar longas reflexões, monólogos rebuscados e explosões violentas.

A estrutura dos atos confere algum dinamismo na montagem, mas é a elegância dos cortes que realmente mostram a habilidade e sensibilidade de Eggers. Por sinal, a presença do neo-surrealista Sigurjón Birgir Sigurðsson parece transbordar do roteiro para encharcar o design de produção, borrando os limites do realismo dos cenários com o onirismo mitológico dos personagens.

Infelizmente, Eggers não dá espaço suficiente para o desenvolvimento dos personagens, algo realmente triste haja vista a brechas exuberantemente exploradas por Nicole Kidman que percebe a "disposição do cenários no palco" e transforma o filme em teatro, entregando uma Rainha Gudrún que se fortalece perante o abuso. Algo que talvez só seja ecoado na breve participação de Willem Dafoe como Heimir, que mesmo como um "Yorick" pútrefe ainda entrega toda a variação da vaidade da vida e transitoriedade da morte.

 “Tupi or not tupi, that's the question”

O Homem do Norte é um grande acerto no que tange o grandioso universo dos filmes arrasa quarteirão. Trata-se de um filme que, apesar dos tropeços narrativos, reproduz o estilo artístico que define o diretor, ao mesmo tempo em que compreende as diferenças do circuito cinematográfico comercial. 

O texto universal — familiar até mesmo para crianças, haja vista o sucesso de Rei Leão da Disney — é de fácil “absorção” por todas as audiências. A clássica história de vingança não é estranha a nenhum filme de ação típico de astros oitentistas como Arnold Schwarzenegger (que já despontou como o próprio Hamlet em uma meta-paródia em O Último Grande Herói), ao mesmo tempo em que também oferece espaço para contemplação artística do épico teatral multiestrelado de Kenneth Branagh.

O Homem do Norte é um blockbuster de gênero e de autor

A leitura visceral — termo aqui que não se aplica exclusivamente a violência — pode pecar na exploração narrativa dos personagens, algo realmente negativo dado o potencial do elenco, mas entrega uma “veracidade” humana que não se envergonha da loucura e perversidade inerentes a vingança e sua suposta catarse pela violência. Por sinal, Eggers faz um ótimo trabalho e subverter essa expectativa. Oferecendo um terceiro ato que parece, propositalmente, anticlimático.

Toda a jornada de Amleth deveria culminar em um banho de sangue, mas será que esse realmente é o único resultado possível; a morte exuberante de seus antagonistas realmente trará a felicidade esperada? Como já dizia um poeta tão célebre quanto o William Shakespeare: ”a vingança nunca é plena, mata a alma e a envenena”.

Com um elenco afiado a nova aventura do Morcegão nos cinemas tira o retrogosto deixado pelo Snyderverso, ao mesmo tempo em que ainda dá acenos amistosos para as viúvas de Christopher Nolan e sua versão do Cavaleiro das Trevas. Matt Reeves aposta, inteligentemente, no clima noir para apresentar um herói e um vilão cujas concepções de justiça e vingança se confundem como diferentes lados de uma mesma moeda, enquanto ambos buscam a redenção de uma cidade atolada em um pântano de corrupção.

As quase três horas de duração são justificadas, mesmo que por momentos façam o filme parece mais lento do que necessário. Tudo tem um motivo de ser, especialmente no que diz respeito ao desenvolvimento dos personagens, mas obviamente, 176 minutos acabam exigindo um pouco do expectador. Se você espera apenas um filme pipoca, melhor se preparar, porque Batman (2022) é uma experiencia cinematográfica mais elaborada, com performances elevadas e uma narrativa esforçada.

Sem grandes reviravoltas, o novo Batman é um filme policial que calha de ter um “super heroi” como protagonista. Misturando estilos como muita habilidade, Reeves empresta elementos de David Fincher, Scorsese, Nolan e afins para  criar uma espécie de "thriller noir" com muito suspense e cenas de ação impactantes. Infelizmente todo esse afã tecnico não consegue explorar todas as facetas do homem morcego, entregando no fim um título que funciona muito bem, mas não atinge todo seu potencial. 

O cavaleiro das trevas ressurge no longo dia das bruxas...

O esmero técnico de Matt Reeves é perceptível em cada tomada, mas o roteiro não tem a mesma criatividade da direção. Assinado em parceria com Peter Craig, o texto apresenta vários elementos interessante, mas não alcança tudo o que almeja. Ao salpicar referencias de histórias famosas como O Longo Dia das Bruxas e Silêncio, entre outras, a dupla agrada aos fãs sem se comprometer como uma adaptação direta, desenvolvendo uma nova leitura do Cavaleiro das Trevas, ao mesmo tempo em que traz influências obvias de outras versões do personagem, sejam dos quadrinhos, animações, filmes ou seriados.

A fotografia expressiva de Greig Fraser e o olhar perspicaz de Reeves atrás da câmera se aliam perfeitamente a trilha maliciosa de Michael Giacchino. A união dos elementos técnicos consegue criar cenas ousadas que, na maior parte do tempo, sobrepujam as oscilações do roteiro; que quebra o ritmo e não consegue estabelecer um clima consistente ao longo de todo o filme.

Na realidade, ao focar quase que exclusivamente no "Batman", deixando "Bruce Wayne" de lado, o filme não consegue consolidar as forças que de fato constituem o personagem. Não há Bruce Wayne sem Batman, e não há Batman sem Bruce Wayne. A dualidade é um tema recorrente no mundo dos super herois e aqui não poderia ser diferente. Consiliar duas vidas, duas personalidades dentro de um mesmo ser é um desafio filosófico que certamente tornaria o filme muito mais denso e interessante.   

Como o próprio Charada infere, não há identidade secreta por trás do capuz do Batman, ele é verdadeira identidade do vigilante. É sob o capuz que o cavaleiro das trevas está confortável e sem amarras. Apesar da revelia do herói, é evidente que há uma troca real entre o justiceiro e o psicopata. Justiça e vingança não prestam o mesmo serviço, é essa caminhada sob a tenue divisa moral que encontramos toda a luta de Batman, um herói a um passo de se tornar um vilão; e é aqui que sentimos a falta de Bruce Wayne, a contra parte humana.  

Com mil morcegos

Como já estamos em 2022 e já não é mais “cool” falar mal de Crepúsculo, ouvir pessoas reclamando da escalação de Robert Pattinson para o papel de Bruce Wayne soa ridículo por mais de uma razão, notadamente seu desempenho em obras como Bom Comportamento (2017), O Farol (2019),  e Cosmópolis (2012). Mostrando seu valor além do rosto bonito que encantou uma geração de adolescentes na pele do vampiro melancólico da Saga Crepúsculo, Pattinson já deixou claro que seu talento vai muito além da fantasia púbere que o lançou ao estrelato.

Como Bruce Wayne e seu alter ego mascarado, o ator britânico entrega uma atuação consistente, mesmo que em momentos sobrepujada pelo seus coadjuvantes. Curiosamente, Pattinson consegue aproveitar muito mais seus momentos mascarado do que quando desponta como Bruce Wayne – instantes em que acaba caindo no modo jovem melancólico cabisbaixo.

Por falar nos coadjuvantes, Jeffrey Wright (na pele do incorruptível James Gordon) consegue igualar sua presença na tela com a do vigoroso Batman de Pattinson, conseguindo inclusive estabelecer muito bem uma dinâmica de igualdade entre os dois. Enquanto isso, Zoë Kravitz parece ter entendido como Selina Kyle, a Mulher-Gato, é uma personagem a parte; uma “coringa” (com o perdão da piada), não se trata de uma vilã, ou de uma heroína e se precisa de ajuda é porque não teme entrar no meio da ação para conseguir seus objetivos.

Se a flexibilidade moral da Mulher-Gato permite alguma reserva quanto ao uso do termo vilã, o mesmo não pode ser dito do Charada de Paul Dano. Em uma performance exuberante, o ator extrai o máximo de suas breves aparições, entregando um personagem que, mesmo fora de cena, está sempre na mente do espectador. Sua construção apaga a imagem caricata do Charada, percebendo-o como um terrorista psicopata em uma mistura de Ted Kaczynski e Zodíaco.

Não podemos deixar de apontar a composição de Colin Farrell como o Pinguim, alter ego do gangster Oswald Cobblepot. Irreconhecível sob uma elaborada maquiagem, Farrell está confortável na pele de um mafioso que parece saído diretamente de Os Bons Companheiros (1990) ou quem sabe Ajuste Final (1990). Por falar na obra dos irmãos Coen, John Turturro transplanta o “coração” de seu traiçoeiro Bernie Bernbaum para dar vida ao poderoso chefão do crime Carmine Falcone, em um desempenho sólido.

Eu sou a vingança

Matt Reeves não conseque equilibrar os diferentes "filmes" dentro de Batman, mas no final, a história funciona muito bem, especialmente se a percebemos como parte da origem do cavaleiro das trevas. Um momento em que o mascarado ainda não sabe se a raiva que o impele a lutar realmente está em busca de justiça ou apenas de uma catarse vingativa.

 Ao voltar seu foco ao Batman, Reeves não consegue enxergar toda complexidade do personagem

Talvez por isso a impressão de que esta nova aventura funciona muito bem como um "requel" da trilogia de Nolan, oferendo uma continuação e uma conclusão muito mais satisfatória do que a tivemos em O Cavaleiro das Trevas Ressurge. Explorando temas similares e chegando a deduções parecidas, as duas produções mostram um Batman em conflito e um vilão com motivações espelhadas e não muito dispares daquelas defendidas pelo herói.

No final - ciente das armadilhas,  próprias dos superlativos - temos sim o melhor filme do Batman já feito; entretanto, a frase significa justamente isso, ou seja, um filme sobre o Batman e, mesmo sendo o protagonista,  o universo de Gotham não se resume ao cruzado encapado e ainda não sabemos direito quem é Bruce Wayne, e a oclusão da contraparte "humana" do famoso personagem da DC é uma falha que certamente precisara ser revisitada nas futuras iterações da franquia. Dito isso, Batman (2022) é um bom thriller policial e um ótimo filme de herói especialmente para aqueles que buscam algo diferente dos arrasa quarteirões multidimenssionais da Marvel. 

O que os filmes Independence Day, Godzilla, 2012 e O Dia Depois de Amanhã têm em comum? Bom, fora o fato de que todos tratam de possíveis catástrofes em nível global – muitas vezes com direito a sequências de tsunamis e cenas desenfreadas de surto coletivo –, todos esses filmes foram dirigidos e idealizados por um cineasta chamado Roland Emmerich.

Emmerich é especialista nesse tipo de obra que retrata o fim do mundo, algo que se provou uma receita de sucesso, haja visto o tanto de filmes que ele co-roteirizou nas últimas décadas e a recente investida dele em um longa-metragem que parece seguir uma premissa similar, talvez não tão exagerada quanto um lagarto gigante ou quanto uma invasão de aliens, mas quem sabe muito mais viajada.

Em “Moonfall – Ameaça Lunar”, como o próprio nome do filme sugere, o planeta Terra está prestes a presenciar a “Queda da Lua” (literalmente a tradução de Moonfall). Por razões que ninguém sabe explicar exatamente, a Lua começa a desviar de sua órbita e vem em direção à Terra, o que pode resultar em uma colisão e a extinção da humanidade.

Obviamente, como todo filme de ficção desse tipo, há uma possível solução para salvar o planeta, mas a NASA talvez seja a última a acreditar nessa história, uma vez que já duvidaram anteriormente dos relatos de um astronauta (Patrick Wilson) que presenciou eventos misteriosos na Lua uma década antes dos eventos atuais.

Combinando uma overdose de teoria maluca com cenas eletrizantes de ação, que são obviamente recheadas de efeitos altamente mirabolantes, o filme “Moonfall – Ameaça Lunar” tenta fugir do óbvio, mas ele acaba tropeçando na gravidade de suas maluquices e abraçando sequências irrelevantes para uma trama de perigo tão iminente.

Trata-se de um filme que atrai pela curiosidade, mantém pelo exagero e cenas de desastres extremamente bem elaboradas, mas que pode decepcionar pelo rumo em direção ao vazio do espaço. Um bom filme para não se levar a sério, graças também ao humor fora de órbita, mas um longa-metragem muito longo para contar pouco do que realmente importa.

A vastidão do espaço desprezada pela trivialidade

Se você já viu qualquer um dos filmes de Roland Emmerich, é possível que você tenha tido a impressão de que obras sobre fins do mundo podem facilmente derivadas para sagas cinematográficas ou mesmo para séries televisivas, afinal é quase impossível retratar uma catástrofe de nível global em uma obra de duas ou três horas sem deixar pontas soltas.

No caso de “Moonfall”, o roteiro não faz questão de manter o foco em eventos importantes. Quer dizer, a história vai por um caminho dramático, que visa dar vez aos personagens, muitos dos quais sequer têm relevância para o roteiro, o que vai completamente na contramão de uma situação de eventos catastróficos que são justamente o cerne do filme.

Essa é uma decisão funcional para um título que a gente classifica como “filme pipoca”, ou seja, um longa-metragem que não faz questão de ser levado tão a sério e que prefere caprichar nas cenas com efeitos especiais, do que focar em criar arcos dramáticos que realmente façam sentido dentro do contexto.

Felizmente, o filme não se perde em meio a galhofa (mas é por pouco), que, reforçando, funciona para alívios cômicos, mas é algo que pode ser exagerado numa obra que podia ter mais ficção científica. Sim, às vezes, o problema é a expectativa do público (ou deste crítico que vos escreve), afinal o que esperar do diretor que sempre fez filmes desse tipo, né?

Outro aspecto que merece ser altamente criticado são as propagandas, sim, eu estou falando de propagandas no meio do filme, encaixadas de certa forma no contexto. Há cenas em que fica claro que o filme dá voltas simplesmente para mostrar algum produto que não teria qualquer relevância no andamento da história.

É o caso de uma perseguição com um Lexus — que pode ser um carro bonito e moderno, mas que não tem qualquer serventia para evitar que a Lua caia sobre o planeta Terra! Isto é tema para um longo debate, porém vale o adendo, porque o filme se alonga pelo simples fato de perder tempo com besteira. Ótimo para o anunciante, péssimo para o espectador pagante.

Uma verdadeira viagem (na maionese)

Apesar de ficar claro que “Moonfall” não é um filme para ser levado tão a sério, a plateia está ali para entender o que está acontecendo e argumentos para causas minimamente factíveis são esperados. É claro que num mundo onde achamos perfeitamente normal um lagarto gigante sair do oceano e atacar as cidades ou que aceitamos os alienígenas sempre invadindo Nova York, quase toda história pode ser contada sem que a gente possa reclamar muito.

De certo modo, Emmerich consegue trazer algum ineditismo para a telona e, ainda que as decisões de roteiro sejam muito questionáveis, esta é a parte sólida do filme, que realmente vale a pena e conecta toda a trama. Se a explicação não convencer muito, ao menos ela serve para introduzir cenas que fazem a gente ficar no mundo da Lua.

No fim das contas, “Moonfall – Ameaça Lunar” é um misto de sensações: cômico em várias ocasiões, tosco em algumas decisões, surpreendente pela ousadia da ideia central do filme, porém ele não consegue se decidir em que pretende focar. Os atores até bem gabaritados tentam dar seu melhor e ficam perdidos nesse amontado de ideias.

Portanto, se você vai ver o filme no cinema, esteja ciente que este é um filme pipoca, não dá para levar a sério e pode divertir se você não for pensar muito nas teorias. Contudo, se você é do tipo que ama obras como “Interestelar” e ficções de renome similares, então “Moonfall” não é para você – fora que é um filme bem longo.

“Titane”, de 2021, é uma produção francesa chocante, não somente pelo body horror, mas pela mistura de Tarantino, com paletas de cor Cyberpunk, violência de Laranja Mecânica, influência Sci-Fi de Alien, tudo isso como se estivesse em um clipe exótico da Bjork.

A fusão entre máquina e corpo aparenta ser o tema central, mas, de fato, é menos relevante perante o drama do filme. Quer saber por que Titane é tão chocante e ao mesmo tempo o vencedor da Palma de Ouro de Cannes? Vamos falar um pouco sobre este filme de suspense que pende para o horror!

A sugestão do horror assusta mais?

Ganhador da Palma de Ouro (“Palme d´Or”) no Festival de Cannes de 2021, “Titane”, cuja tradução é titânio, é um filme muito diferente, que nasce da ousadia de misturar drama, com fantasia e body horror sugestivo. A diretora do filme, Julia Ducournau, responsável também pela direção de Grave (Raw nome original, de 2016) tem fascinação pelo body horror. Em Grave, assim como o significado em inglês, cru, o horror era visual.

Imagem: Divulgação / NEON

Em Titane, essa mesma faceta é diferente, mais sugestiva, pois é exatamente quando o “gore” e o body horror são pouco mostrados que nos causam mais incômodo. Isso se explica também pela atuação corporal inspiradíssima de Agathe Rousselle. Seu sofrimento, sensualidade e crueldade, em suma, necessitam de poucas palavras.

Sim, uma moça fica grávida de um Cadillac

A premissa inicial é simples e direta ao ponto, uma vez que já se passa no início do filme. Alexia, uma jovem que trabalha em eventos de Show Car na França é também uma psicopata (com uma placa de titânio no lado direito do crânio, em virtude de um acidente quando criança).

Ao ser assediada por um Cadillac no final de um evento de carros, ela se interessa sexualmente pelo carrão. Imaginem que após o ato ela fica grávida do veículo automotor, oh my God. Mas aos poucos vamos tolerando esse elemento fantástico, de forma a entender os motivos dessa atração.

Imagem: Divulgação / NEON

Essa premissa, ao mesmo tempo realista e fantástica, irá construir também o lado dramático do filme. Uma vez procurada pelas forças de segurança locais, por assassinatos em série, Alexia consegue fugir da sua casa e construir a vida em outro local, mas com a identidade de um garoto. E isso vai se tornando interessante e complexo para a narrativa.

Além de um mix de influências, há espaço para o drama

O trabalho técnico da direção de fotografia nos revela um filme mais lento na segunda metade (a primeira parte é mais frenética), com planos-sequência e jogo de cores vivas contrastantes, com a intensidade de painéis de neon.

A trilha sonora é imersiva, com batidas de efeito metálico, o que faz produzir a relação entre os signos da humanidade e da artificialidade, ou do homem versus a máquina. No entanto, esse não seria o foco do filme, que aparece na premissa mencionada (signos da placa de titânio, da relação sexual com um carro, do objeto de metal em seu cabelo usado para os assassinatos).

Como em Raw, 2016, a diretora Julia Ducournau irá trabalhar também com dramas familiares, em torno da busca pelo amor, como elemento para remediar a solidão da perda. Para mim, Titane é uma das melhores produções que misturam universo de horror, Sci-fi e fantasia já lançada nos últimos tempos, e que será distribuída mundo afora a partir de 2022.

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“Dark city” (1998), em português, “Cidade das Sombras”, é um thriller de ficção científica que prova haver vida antes do fenômeno Matrix, de 1999. Dirigido por Alex Proyas, “Dark city” segue na mesma temática inovadora de Matrix.

Mesmo sendo produção de custo mais baixo (27 milhões de dólares perante os 65 milhões do filme das irmãs Wachowski), “Dark City” nos envolve em sua atmosfera de jogo entre realidade e ilusão. Será que sua história também nos leva a tomar a pílula vermelha?

De forma aproximada ao despertar de Mr. Anderson (Keanu Reeves, em Matrix), John Murdoch (interpretado por Rufus Sewell) desperta em uma noite, dentro de uma banheira, em uma cena de crime claramente plantada para ele.

Antes de ser perseguido por sujeitos estranhos, Murdoch encontra o telefone de Dr. Schreber, o qual lhe explica que sua memória fora apagada e dá as coordenadas para a fuga do local. De forma caricata (um cientista tímido, justo e antissocial), Kiefer Sutherland é Daniel Schreber, um médico envolvido com alienígenas, os quais fazem daquela cidade escura um ambiente de experimento para seres humanos, por meio de um simulacro no qual todos acreditam ser a própria realidade.

Uma das bases conceituais de Matrix

“Cidade das Sombras” pode nos levar a entender que possui referências a Matrix, mas a lógica é oposta. Por ser uma produção anterior, há momentos que pensamos referenciar Matrix, como a cabine telefônica por meio da qual o protagonista recebe a ajuda inicial do Dr. Schreber.

O mesmo acontece quando Trinity foge dos agentes da cena inicial de Matrix e recebe ajuda ao utilizar um telefone público; ou até mesmo quando Morpheus liga para Neo em seu trabalho, o guiando para fora do ambiente, no qual agentes o perseguem também. Essas tendências narrativas já aparecem, portanto, em Dark City.

Imagem: Divulgação/Warner Bros. Pictures

Apesar de os méritos do tema “realidade simulada” estarem vinculados à superprodução Matrix, “Cidade das Sombras” dá o tom inicial de outras produções que viriam também a tratar da temática, como o filme “S1m0ne” (2002), “Simulation one”, mas com um tom dramático e cômico ao mesmo tempo, cuja atuação de Al Pacino brinda com um papel ora cômico ora dramático, ao simular a criação de uma atriz pop star, por meio de um programa de simulação.

• Leia nossa crítica do filme Simone

Enfim, outros recursos técnicos, como o foco na noite e nas sombras presentes nos enquadramentos, bem como o ambiente mais lúgubre de “Cidade das Sombras” nos fazem imergir no ambiente de intrigas e nos fazem refletir que Matrix não foi uma novidade na época, mas uma produção que abriu as portas para filmes novos e para o conhecimento do grande público sobre autores que já trabalhavam essa temática da realidade e da ilusão na literatura, em relação com as distopias do futuro, como:

• “Simulacres et simulation” (Simulacros e simulação, de Jean Beaudrillard);
• I, robot (EU, robô), de Isaac Asimov;
• Neuromancer, de William Gibson;
• Do Androids Dream of Electric Sheep?, romance de Philip K. Dick, que originou Blade Runner.

Em suma, a série também Black Mirror aproveita todos esses temas, o que faz dela, hoje, a série como mais argumentos para esses assuntos de ficção especulativa.

Imagem: Divulgação/Warner Bros. Pictures

Para fechar a questão sobre Dark City, o foco em ambientes fechados e muitos corredores com pouca luz, além dos planos fechados e contra-plongé, nos causam a sensação de pequenez e estranhamento, pois são recursos da expressão fílmica utilizados para produzirem o efeito de uma realidade estranha, possivelmente simulada, ou que simula que vivemos em um laboratório, um ambiente de constante experimentação.

Veja também a crítica de Cidade das Sombras em vídeo:

“S1m0ne”, produção de 2002, codinome para “Simulation One”, é um título sugestivo em um mundo binário, dominado pelas fronteiras entre essências e aparências, verdades e mentiras, um mundo real contra o digital. O que essa produção tem a nos dizer sobre as Fake News e pequenas mentiras que vão aos poucos se tornando verdade?

Projeção de efeitos de verdade e a massificação da mentira

“Simone”, com direção de Andrew Niccol, já em 2002 nos surpreenderia com uma temática tão atual para este ano de 2021: a projeção de efeitos de verdade na cultura, por meio da massificação da mentira.

Em suma, o filme nos conta como a insistência na divulgação de pequenas mentiras na sociedade pode causar um desastre quando a opinião pública passa a acreditar em signos forjados, mas que criam efeitos de verdade. São Al Pacino e Winona Ryder que nos brindam com boas atuações, em um universo simulado, como a temática de Matrix, mas dissimulado no âmbito da indústria cinematográfica.

No filme, esse tema cria a narrativa de um ícone pop (uma mulher perfeita, Simone), sem que o ídolo seja de carne e osso. Assim é “S1m0ne”, universo em que um famoso produtor de filmes, Viktor Taransky, cria uma simulação perfeita, interpretada por Rachel Roberts, para encantar multidões.

Imagem: Divulgação/Warner Bros. Pictures

Ao acontecer um fato inusitado com a celebridade criada por Viktor Taransky, sua projeção, que somente existia no seu computador e na sua mente doentia, agora passa a ser objeto de investigação, o que obriga Taransky a explicar o suposto desaparecimento da garota. Por mais que ele se esforce para explicar que ela não existe, agora é tarde, a mentira se tornou verdade.

Simulacro e o Mito da Caverna, de Platão

A melhor cena, sem dúvida, que remete ao mito da Caverna de Platão, refere-se a um momento no qual o criador da simulação, Taransky, é supostamente flagrado com a sua criatura, Simone, a simular uma cena de amantes. No contexto, as suas sombras reproduzem a imagem dos dois através das janelas de um hotel de luxo: hilário e perfeito momento em que somente vemos as sombras de um mundo simulado (parcial) por trás da verdade que o público fanático acredita que vê.

Imagem: Divulgação/Warner Bros. Pictures

Com temática e expressão que nos lembram “The Matrix” (1999) (paletas de verde e azul), mas com um andamento mais lento (parecido com a direção anterior de Andrew Niccol, “Gattaca”) e um tom de comédia e drama, “Simone” é uma produção que vale a pena pela reflexão social atualizada, apesar dos seus quase vinte anos.

• Leia nossa crítica do filme Gattaca

Bom filme para refletir a respeito das Fake News contemporâneas e a maneira pela qual as massas podem ser manipuladas através de um apelo vindo da indústria cultural.

Confira a crítica de Simone também em vídeo: